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Con más de un mes de tardanza llegó a las pantallas mexicanas Sombras Tenebrosas, y durante este tiempo se especuló bastante respecto a la calidad de esta película con algunas críticas buenas, otras malas. Creo que Sombras Tenebrosas no es lo mejor de Tim Burton, pero su estilo permanece y la intención de entretener de gran manera está más que cumplida.

La cinta nos narra la historia de Barnabas Collins (Johnny Depp), un hombre del siglo XVIII que es condenado a vivir en la oscuridad por la eternidad y convertido en vampiro por una maldición de una bruja que quería su amor, hasta que en 1972 dan por coincidencia con su ataúd. Barnabas se encontrará con un mundo muy diferente al suyo y a la vez, con la noticia que Angelique Bouchard (Eva Green), la bruja que lo maldijo sigue viva y hará lo posible por destruir a Barnabas y sus disfuncionales descendientes.

Johnny Depp convenció a Tim Burton de realizar una película de vampiros juntos y al ser seguidores de la serie de televisión Dark Shadows que estuvo al aire de 1966 a 1971 decidieron revitalizar la historia de Barnabas Collins, ahora bajo la dirección de Burton y Depp encarnando al peculiar vampiro. Lo que principalmente añadió Tim Burton a esta cinta fue el contexto de la cinta en 1972 por lo peculiar de la época en los Estados Unidos, y darle un toque más de humor negro a la serie, similar al estilo de Beetlejuice o de Los Locos Adams, el resultado es una cinta donde la esencia estética de Tim Burton existe en cada encuadre y se siente la diversión desde el proceso de producción, donde se entretiene eficazmente, donde la mitología de vampiros aunque sea una cinta de corte cómico se respete (cof.. Crepúsculo cof..); donde las carcajadas son por las situaciones de diferencias de épocas, lo extraño de la época de inicio de los 70's y las referencias consumistas y sexuales presentadas en la cinta. Aunque creo que por lograr darle efectividad a la comicidad tanto Burton como los guionistas John August (guionistas novatos) y Seth Grahame-Smith (ha trabajado varias veces con Burton) perdieron de vista ciertos enfoques narrativos que dejan cabos sueltos como la descendencia de los Collins o dejan insipidas ciertas subtramas como la relación entre los personajes de Bella Heathcote con Depp así como (SPOILER) cómo se hizo hombre lobo el personaje de Carolynn (SPOILER FIN) y este tipo de situaciones no hacen que la historia tenga el ritmo esperado y dejen simplemente satisfechos, entretenidos pero sin más a los espectadores.

En cuanto a interpretaciones en general se da un buen resultado. Johnny Depp con sus siempre peculiares aunque muy similares interpretaciones hace un tributo a otros vampiros como el Nosferatu de Max Schreck, el Drácula de Lugosi y por supuesto al Barnabas Collins de Jonathan Frid dotando de sus movimientos cierta comicidad y parodia; Eva Green permanece exuberante, misteriosa y peligrosa durante toda la película con el sello de villana extravagante sello Burton, Michelle Pfeiffer excelente como madre protectora y fuerte con ciertos toques de avaricia y ambición, Bonham Carter como siempre en las películas de su esposo nos brinda papeles extraños sólo que en esta ocasión es más normal pero de apariencia, Chloë Grace Moretz y Gulliver McGrath demuestran que van por el buen camino y Jackie Earle Haley camaleónico como es recurrente en él. Fueron geniales las pequeñas intervenciones de Christopher Lee (que es más un cameo) y de Ray Shirley como la ama de llaves viejita que da risa y ternura sólo con verla. Quienes creo que dejan a deber son Bella Heathcote y Johnny Lee Miller.

En cuanto a aspectos visuales creo que no hay un detalle malo. La dirección de fotografía de Bruno Delbonnel imita ciertos aspectos de iluminación y colores de las cintas de los 70's con varios contrastes entre colores cálidos y fríos aunque como es normal en la estética burtoniana predominando los últimos y utilizando una variedad de tomas adecuadas para la escena y como le gusta a Burton varios travellings y tomas de acercamientos y alejamientos. El diseño de producción de Rick Heinrichs nos regala un Collinsport y un Collinwood sacado de la mente de Burton a la realidad con todas las excentricidades que pudo ponerse en un puerto y un castillo encantado remitiéndonos muy bien a las épocas que se vivieron en dichos lugares en la cinta. Los efectos están muy bien realizados y creíbles aunque creo que los fantasmas pudieron haber sido más transparentes para darle un efecto un poco más terrorífico si era lo que se buscaba.

La banda sonora de Danny Elfman es muy buena para logra darle acordes principalmente a las escenas dramáticas y de terror, pero lo que se roba la película es la exquisita selección musical de canciones de los sesentas y setentas para musicalmente introducirnos más a la época de muy lograda manera con temas como "Bang a Gong (Get It On)" de T-Rex, "Top of the World" de The Carpenters, "Paranoid" de Black Sabath, "You're the First, the Last, My Everything" de Barry White, y por su puesto el increíble cameo de Alice Cooper que hace en la cinta.

Es quizá de las películas más comerciales y menos importantes de Burton pero es un ejercicio divertido, entretenido y que cumple lo que promete sin más, recomendable para pasar ratos con esta familia disfuncional y extraña.

Desde Pequeña Miss Sunshine, un trabajo tragicómico no era tan bien llevado. Tras haberse accidentado y caído en un coma permanente su esposa, el abogado hawaiano Matt King (George Clooney) tiene la misión de unirse con sus dos hijas, comunicar a sus amigos la tragedia y encontrar al amante de su esposa a la vez que dar la decisión final si desea que un terreno que heredó él y sus primos se convertirá en un complejo turístico o en un tesoro para los nativos hawaianos.

Por mi edad no había coincidido con Alexander Payne (Entre Copas, A propósito de Schmidt) hasta éste momento, convirtiéndose en un referente para el futuro y para su pasado personalmente. Lo que es una historia que puede caer en lo cursi es excelentemente llevada por Payne en un guión de él, Nat Faxon, y Jim Rash basado en la novela homónima de Kaui Hart Hemmings donde una familia un tanto disfuncional en una situación totalmente trágica pero tratada de una forma satírica y reflexiva es muestra de los valores familiares y las herencias que nuestros ancestros nos legan tanto material como fisiológicamente, lográndonos arrancar una que otra sonrisa y a los más sentimentales una lágrima, quizá el tratamiento queda tan bien por el contexto en el que es realizado, un Hawaii alejado del cliché de isla fiestera y tradicional y que es advertido desde que la voz en off del personaje interpretado por Clooney nos cuenta su vida, una historia que normalmente en el cine es llevada en contextos más citadinos y fríos. Esta historia que desde su origen literario es un tanto diferente, es también una peculiar road movie donde vamos encontrándonos cada vez con personajes de todo tipo. En los aspectos técnicos podemos decir que es un trabajo muy correcto visual y sonoramente con escenas muy bien planeadas y algunas memorables, ésto por sus reales fortalezas: El guión y la dirección de actores.

El reparto es exquisito, todos brindan un papel muy convincente. George Clooney se encuentra en uno de los papeles más entrañables de su carrera (a mi parecer junto con el de Amor sin Escalas) y al igual que Shailene Woodley y Amara Miller (que son dos talentos a seguir), logran canalizar en sus expresiones y diálogos el peso de las situaciones por las que están pasando, situaciones de devastación y superación con algo de esperanza, todo esto con una casi perfección histriónica, sin llegar a robar cámara. Es igualmente un gusto encontrarnos con Robert Forster y Beau Bridges y es notable que Matthew Lillard ha realizado un papel maduro en su conocida carrera.

La fotografía del griego Phedon Papamichael es como dije antes un trabajo correcto pero no memorable, dotado de una paleta de colores azules y verdosos denotando lo que pasan los protagonistas y con tomas regularmente fijas y abiertas. La edición de Kevin Tent logra desarrollar un ritmo muy bien llevado a lo largo del metraje.

La música de la cinta es un conjunto de música tradicional hawaiana donde se pueden recordar temas como Hawaiian Skies de Jeff Peterson, Wai Hu'ihu'i O Ke Aniani de Gabby Pahinui o Deep in an Ancient Hawaiian Forest de Makana, añadiéndole un valor mayor al Hawaii de la cinta.

Es un nuevo tipo de viaje al Hawaii cinematográfico en una muy emotiva cinta tragicómica llevada con un excelente trabajo de dirección y redacción de Payne y un estupendo trabajo actoral. Esta podría ser la película contemporánea estadounidense del año pasado.

La nueva saga de El hombre Araña causó revuelo desde que se anunció en lugar de una cuarta parte de la saga de Sam Raimi. El resultado al final no es tan sorprendente como nos lo pudimos imaginar.

Peter Parker (Andrew Garfield) es un joven que vive con sus tíos, estudia la preparatoria siendo de los de mejor calificación en su clase y siente una atracción por su compañera Gwen Stacy (Emma Stone). Cuando descubre unos documentos que asocian a su padre con el Doctor Curt Connors (Rhys Ifans) decidirá investigarlo en búsqueda de pistas sobre lo que sucedió con sus padres, pero un accidente en los laboratorios Oscorp con una araña radioactiva provocará una mutación en Peter, quien se convertirá en El Hombre Araña.

Marc Webb, que anteriormente había dirigido la comedia romántica 500 días con ella y que consiguió muy buenas críticas, fue la elección de Sony Pictures y Marvel para dirigir la nueva cinta del arácnido superheroe tras haber tenido problemas con el guión y con Sam Raimi para realizar la cuarta parte de la saga que Raimi dirigió y que tuvo un bache muy duro en su tercer parte. En esta ocasión, con un guión de James Vanderbilt, Alvin Sargent y Steve Kloves se trató de abordar más allá el tema de los orígenes de Parker, de la misteriosa desaparición de sus padres, así como en la relación que tuvo Parker con Gwen Stacy y creo que al enfocarse en dichos temas no logran que la historia tenga una consolidación narrativa y que varias cosas de la historia se queden a un lado como la muy escueta transformación de Peter Parker en el Hombre Araña. La cinta tiene sus mejores momentos en los asuntos dramáticos pero algunas escenas de acción dejan insatisfechos y como conjunto el resultado no es más que bueno y entretenido pero sin llegar a más. Creo que quisieron imitar el éxito que tuvo Batman Inicia en 2005 al ser un reboot que revitalizó completamente la saga, pero creo que su influencia detonó en copiar ciertas acciones muy similares a la cinta de Nolan sin llegar a igualar su calidad y oscuridad. Marc Webb tiene que aprender más de blockbusters exitosos para la segunda parte de esta saga pues si bien lo mejor de la cinta reside en los aspectos técnicos e histriónicos, el aspecto narrativo deja demasiado a desear.

La dirección de actores es quizás el mejor talento de Webb pues el reparto nos regala un excelente trabajo. Andrew Garfield demuestra que es de los mejores actores de su generación y que le queda muy bien el papel del hombre arácnido (a mi parecer mejor que a Tobey Maguire) además de poseer una muy buena química con su coprotagonista Emma Stone que recrea una Stacy fiel a la de los comics y que convence con un papel que dista de las Stacy y Mary Jane de la saga de Raimi. Rhys Ifans como el villano Lizard es quien tiene al contrario de Spiderman una más interesante transformación pero al momento que el CGI se apodera del personaje le pierde el valor que le imprimió el galés con su interpretación. Igualmente creo que las intervenciones de Denis Leary y Martin Sheen son muy buenas.

La dirección de fotografía de John Schwartzman maneja una variada paleta de colores para determinadas situaciones, utiliza movimientos de cámaras adecuados para inspirar la adrenalina para las escenas de acción como bien ha usado en otros proyectos como Pearl Harbor o Armageddon. Los efectos visuales y especiales hacen un buen trabajo aunque hay varias ocasiones en las que el CGI de Lizard se nota demasiado falsas. La edición de Alan Edward Bell, Michael McCusker y Pietro Scalia es adecuada para el ritmo pero como vemos si la historia no es efectiva todo el trabajo se puede ir para abajo.

La banda sonora de James Horner es igualmente un trabajo respetable que favorece al entorno y las acciones de la cinta y en este soundtrack los mejores temas son los dramáticos que colaboran a aumentar el nivel de dichas escenas y algunos caerán en un juego dramático sobre todo cuando muere el tío Ben (eso no es un spoiler, todo el mundo lo sabe); pero en las escenas de acción no se crearon temas memorables como los de Danny Elfman en las dos partes de la saga de Raimi.

Nos encontramos ante un producto entretenido sin lugar a dudas pero creo que no se recordará como la mejor primera parte de una saga de Spiderman pues la sombra de las primeras cintas de Raimi que fueron la primera muy buena y la segunda excelente, opacan esta nueva visión del superheroe. Esperemos que llegue su segunda parte a un mejor nivel de calidad narrativo.

La primer película de David Fincher y la tercera de la franquicia es una película que fue más hecha de encargo, mutilada y que en su corte final da mucho que desear.

El proceso de preproducción fue extremadamente difícil en el caso de esta película. Los productores David Giler, Gordon Carrol y Walter Hill querían darle continuidad a la saga, pero los guiones que habían sido enviados no eran de su agrado hasta uno de Vincent Ward que retrataba la llegada de Ripley a un planeta artificial de madera con monjes. La idea gustó bastante al estudio, pero los problemas para poder realizar la película como estipulaba el guión hicieron que los productores obligaran a Ward a hacerle modificaciones y Ward molesto ante esta decisión abandonó el proyecto ya con una fecha de estreno lista. El estudio recurrió a David Fincher, famoso por dirigir videos musicales y comerciales pero que nunca había hecho cine. David Fincher tuvo en sus manos la oportunidad de dirigir en su primer ocasión un gran blockbuster pero esto se opacaba con las dificultades por las faltas de un guión establecido, por lo que Fincher tuvo que empezar con la filmación sin siquiera haber terminado el guión. Al finalizar de filmar y de realizar los montajes el estudio volvió a hacer una gran cantidad de retoques que eliminaron una considerable cantidad de escenas, se tuvo que volver a filmar, hacer una calva artificial para Weaver que ya tenía largo el cabello y hasta cambiar el final de la historia. Es ésta la razón y no David Fincher en realidad quienes hacen que esta película no hubiera tenido el impacto que tuvieron las anteriores y eso se plasma durante todo el filme, un guión no muy establecido que impide que el ritmo de la cinta no tenga un nivel estable, cabos sueltos en la historia y aspectos técnicos que dejan mucho a deber. El estilo de David Fincher está presente aquí, una historia trágica con evocaciones sociales y filosóficas, un suspenso muy bien planteado, finales no felices y un buen manejo de los recursos técnicos, pero como repito muchas decisiones desafortunadas de la producción y las prisas impidieron que la película tuviera un buen resultado. La historia retoma un poco el estilo de Alien al estar invadidos sólo por un monstruo y donde son más vulnerables aunque los aspectos técnicos no le dan tanto terror a las escenas, sino suspenso y horror. Recomiendo ver la edición del director pues incluye muchas más escenas que no se presentaron en la otra edición que muestra mejor al planeta gris y a varios de los personajes y un final que crea mayor expectativa.

Al igual que en la entrega anterior, los personajes además de Ripley salvo el Doctor Clemens (Charles Dance), Golic (Paul McGann que en la edición de estreno tiene muy poco protagonismo en comparación con la versión de Fincher) y Andrews (Brian Glover) son meramente incidentales y por las características físicas que comparten todos pierden aún más protagonismo. El personaje de Ripley combina ya los dos elementos que la caracterizaban en las otras entregas juntas, como una mujer de armas tomar pero mortal, vulnerable y más ahora que perdió a más amigos por la bestia alienígena.

En los aspectos visuales podemos decir que el resultado es bueno, con algunas cosas buenas, otras que dejan mucho que desear. La dirección de fotografía de la cinta comenzó con Jordan Croenweth, mismo cinefotógrafo de Blade Runner pero un mal de parkinson impidió que siguiera trabajando, siguiéndole Alex Thomson. El trabajo de ambos es muy bueno, con un color amarillo rojizo se crea una atmósfera apocalíptica y le da otro toque a la estética de la cinta como de algo oxidado, triste, almacenado y olvidado, aunque las tomas de la persecución son poco usadas en el cine le da un toque más de videojuego y creo que puede ser criticado por algunos por su estética poco cinematográfica. El diseño de producción de Norman Reynolds es muy efectivo, vuelve a introducirnos en sets que manifiestan claustrofobia, ahora con un toque más gore, pero aún así siento que muchos decorados pudieron futurizarse más aún que sea un lugar casi inhospito. En cuanto a la criatura fue excelente que Giger volviera a intervenir en el diseño del Alien al modificar a la bestia haciéndolo más peligroso y salvaje por el hecho que es engendrado en un buey. Lo que tiene más defectos en el aspecto visual es el de los efectos visuales que en muchas ocasiones hacen que el alien grabado como marioneta y añadido digitalmente a las escenas se ve muy falso y le resta el impacto, creo que la cuestión de tiempos también intervino en ello.

Elliot Goldenthal ahora es el encargado de realizar la banda sonora de la cinta y si bien es un autor que utiliza muchos tonos altos para darle un mayor valor épico y que a veces se vuelve exagerado, en esta ocasión crea una banda sonora muy interesante adecuada para exaltar el tono terrorífico sobre todo por los temas gótico gregorianos para darle ese lado espiritual y apocalíptico a la cinta.

Como lo que se debe calificar en una cinta es la versión original de la misma, tengo que decir que la edición que vio la gente en 1992 fue una versión pobre, con varios problemas estructurales narrativos, con mucha prisa que varias cosas se quedaron a deber. Es un producto disfrutable y un buen comienzo en la carrera de Fincher pero que se ve opacada con sus antecesoras. A la gente que aún no la ve la invito que goce de la versión del director que dura de 30 minutos más y que es mucho mejor que la versión de cine.

El glorioso cine mudo para muchos es como un libro empolvado, la cultura ha hecho que la sociedad crea que el cine silente es aburrido, de baja calidad, ¡en blanco y negro!. Nada más alejado de la realidad; si algo nos han enseñado obras como Metrópolis, Nosferatu, cualquiera de Charles Chaplin y muchas más es que el cine mudo son las raíces del cine que conocemos y es capaz de hoy día regalarnos sorpresas, temores, risas, emociones, bellas imágenes. El Artista, cinta franco-belga de Michel Hazanavicius nos regala eso. La historia nos sitúa en Hollywood entre 1927 y 1932 donde el paso del cine silente al cine sonoro terminó con la carrera de grandes leyendas histriónicas y el ascenso de nuevas estrellas, como es el caso del grandioso George Valentin (Jean Dujardin) y la promesa Peppy Miller (Bérénice Bejo), el destino los unió pero el cambio de formato cinematográfico los llevó por distintos caminos. Desde siempre, el director francés Michel Hazanavicius tenía el interés de realizar una cinta muda pero ninguna productora quería financiar un proyecto silente hasta que se vio el éxito taquillero en Francia de las cintas del espía OSS 117 y fué con ello que La Petite Reine con Thomas Langmann dieron el banderazo a esta producción de Francia y Bélgica filmada enteramente en Los Ángeles y con un reparto francés y estadounidense principalmente. Así fue como se desarrolló una de las películas más atrevidas de los últimos años pero de una manera muy elegante, volviendo al pasado y honrando al Cine Silente explotando sus características al máximo, donde se nota el grado de investigación de Hazanavicius para lograr hacer la fórmula de una película silente perfecta con un aspecto visual sorprendente, actuaciones muy expresivas, una linea argumental llevada a un estupendo ritmo y un guión inteligente y bello que lo tiene de prácticamente todo: romance, comedia (más de un toque de slapstick), drama, suspenso y acción, haciendo de éste producto un filme sublime en donde Hazanavicius logra colocarse con este tributo al cine silente a la altura de filmes como los de Chaplin, Murnau, Lang, Dreyer, Sennet, Hitchcock o Walsh. La película es una fina crítica además al sueño americano, que un día te da y otro te puede quitar y una muestra del mundo del cine de principios de los años 30's.

Las actuaciones principales fueron en verdad sorprendentes pues lograron darle gran expresión a su lenguaje corporal en ausencia del sonido, todos sus movimientos detonaban sus sentimientos. Jean Dujardín, que guarda un gran parecido con la estrella de cine mudo Douglas Fairbanks (principal fuente de inspiración para el personaje de Valentin) y la bellísima Bérénice Bejo (actriz de origen argentino y esposa de Hazanavicius) se convierten en figuras internacionales y en actuaciones memorables por la gran química y profesionalismo mostrado en pantalla en escenas tanto románticas, como dramáticas y musicales (el baile de tap es sensacional). Igualmente fue un gustazo ver en un proyecto de este tipo a un actor como Malcolm McDowell, y qué decir del tierno perro Uggie que llena de ternura y gracia con su "interpretación".

La fotografía de Guillaume Schiffman nos regala un producto muy bien realizado en blanco y negro en cuanto a la paleta de colores grises y una iluminación más que perfecta, con una fotografía que recuerda más al estilo de Karl Freund u otros cinefotógrafos europeos que a la fotografía convencional en Estados Unidos en el cine mudo por medio de tomas con giros, con travellings largos, entre otros aspectos, pero ésto le da un valor más llamativo y formal a la fotografía de la cinta; al fin y al cabo es una película europea, no estadounidense. Dentro del aspecto visual hay que notar todo el trabajo que hicieron el director de arte Gregory S. Hooper junto con el diseñador de producción Laurence Bennett, los decoradores de set Austin Buchinsky y Robert Gould y el diseño de vestuario de Mark Bridges que logran que nos transportemos al Hollywoodland de los 20's y 30's que vemos en las películas de aquella época. Hoy mostré el tráiler a las personas que platiqué de la película y las que no conocían del proyecto no creían que fuera una cinta de 2011. La música de Ludovic Bource es bellísima y muy bien compuesta puesto que es uno de los soportes de la cinta. El soundtrack es usado durante 77 de los casi 100 minutos de la cinta y unos minutos más temas como Scene D'Amour de la banda sonora de Vértigo (1958) de Herrmann (que hizo que Kim Novak enfureciera por el uso del tema en la cinta) y la canción "Pennies from Heaven", de "Chi-Chi" Murphy. Esta banda sonora igualmente nos transporta a la época dorada del cine con influencias de Chaplin, Bernard Herrmann, Dimitri Tiomkin, Miklós Rózsa o Max Steiner por nombrar a algunos, logrando que la música exprese adicionalmente a los actores lo sucedido en la pantalla. Podríamos destacar los temas "The Artist Overture", "George Valentin", "Waltz for Peppy" entre otros, que se convertirán en temas clave de cualquier amante de los soundtracks. Es un trabajo de composición musical que de no haber logrado un resultado efectivo la película se hubiera ido al fracaso. Señoras y señores, estamos junto con Ed Wood, Cantando bajo la Lluvia, u 8½, ante uno de los más gloriosos homenajes al séptimo arte, una joya que cada vez brillará más y que demuestra de nuevo que el silencio puede decir más que mil palabras. Esperamos que Hazanavicius no sólo haya tenido un golpe de suerte inesperado, sino que la maestría con la que creó este filme perdure como legado universal.

El cierre de la saga de Alien significó no solo un éxito en taquilla, sino que se le vuelve a dar otro enfoque estilístico a la historia del Alien y de Ripley, ahora de la mano de Jeunet dando un filme más que aceptable. Han pasado 200 años desde que Ripley (Sigourney Weaver) sacrificara su vida para eliminar al Alien que tenía en su cuerpo. Durante ese tiempo se hicieron experimentos con restos de sangre de Ripley para así clonarla y poder extirpar y estudiar el feto alienigena reina que lleva dentro. La octava ocasión fue un éxito, hasta que el intento por tener atrapados a los Aliens que produjo la reina hace estragos en la nave Auriga. Vuelve a ser turno de Ripley y de un grupo de piratas espaciales huir de la nave, salvar sus vidas y de la Tierra, planeta al que tenía rumbo la nave. A partir de un guión que escribió Joss Whedon y que causó buen impacto al estudio decidieron financiarla aunque modificándolo añadiendo el personaje de Ripley que no había incluido Whedon en el guión y la respuesta positiva de su guión por Weaver. Para la elección de la dirección se pensó en Danny Boyle, Peter Jackson y Bryan Singer pero ninguno aceptó, por lo que optaron por el estilo visual que tenía el director francés Jean Pierre Jeunet quien aceptó la carga de un presupuesto de 70 millones (de los cuales 11 pararon a los bolsillos de Weaver) y a pesar de no hablar inglés tomó las riendas de esta secuela. Narrativamente se nota que Joss Whedon es de los guionistas más geek por el manejo de los recursos narrativos de las anteriores que adaptó a esta película, que respeta más que la tercer parte la mitología de Alien y Aliens, volviendo a naves, dándole más importancia a los personajes secundarios y una historia que lleva un ritmo de montaña rusa que logra Jeunet armar y darle elementos que aumenten la tensión basándose en el estilo Grand Guignol francés caracterizándose por un humor muy oscuro y mucha violencia que le da en si un enfoque más sucio y sangriento a varias escenas. Además la cinta aborda varios temas científico sociales que tuvieron su apogeo en los 90's como son la clonación y toca la sexualidad mucho más que en las cintas pasadas, una sensualidad ligeramente masoquista sobre todo al polémico producto final del Alien y Ripley. Técnicamente Jeunet logra crear escenas muy bien logradas (como la escena en la cocina inundada que tiene una gran tensión y que fue difícil de lograr, la de la sala de clones, el plano inicial, el partido de basketball) donde el trabajo técnico, el elenco, el guión y acciones de postproducción encajan de una excelente forma. Si bien el trabajo de Jeunet no se compara con la perfección lograda por Scott o Cameron, no flaquea tanto en comparación con Fincher que estuvo más limitado en cuanto a libertad creativa. Existen dos finales donde sugiero que vean el de la versión del director que le da un enfoque más reflexivo y apocalíptico que el que fue proyectado en las salas convencionales.

El trabajo en reparto fue muy parecido a la cinta de Scott, donde son pocos los personajes que intervienen directamente en la cinta permitiendo que se explayen y demuestren la capacidad histriónica de los actores. Weaver logra mostrar la transformación que la clonación y el Alien le han provocado a Ripley, más salvaje, violenta, pero con el mismo objetivo de salvar a la raza humana y vengarse del mal que le han hecho los Aliens. Winona Ryder hace un muy buen papel de androide sentimental, más humano que los hombres reales, Ron Perlman de patán grandulón y violento hace que el papel no se torne cliché y es quizá uno de sus papeles que le dieron fama comercial. El personaje de Dominique Pinón es muy interesante. El resto toma muy buena acción con sus papeles.

Visualmente se trató de volver a usar elementos presentes tanto en Alien y Aliens volviendo a tomar la temática de nave oscura aunque con pasillos oscuros y militares hablando del diseño de producción de Nigel Phelps. La excelente fotografía de Darius Khondji utiliza una iluminación de nuevo oscura, con colores verdosos requirió tomas complicadas como las del agua y planos secuencia con travellings largos. En cuanto a criaturas y efectos especiales se volvió a optar por usar más la acción en vivo de los personajes y no tan computarizadas como en la cinta anterior, y unos efectos visuales más fundamentados a los fondos y que son creibles.

La música de John Frizzell no tiene un sello de autor precisamente pero es un trabajo muy bien hecho que toma los elementos de suspenso de Goldsmith, de acción de Shore y los tonos altos y épicos de Goldenthal para combinarlos y dotar de una banda sonora interesante, potente y bien acoplada a las escenas para aumentar el impacto.

En general podemos hablar que es un cierre más que digno a la saga del Alien que respeta la esencia de las dos primeras cintas aunque sin llegar a su altura y que dan gran entretenimiento al público en el que Jean Pierre Jeunet adquiere mayor fama de forma internacional.

En esta segunda cinta de época Quentin Tarantino se recupera de los errores que cometió su bélica película anterior y nos demuestra que su estilo puede pertenecer a un género tan clásico y reservado como lo es el Western, además de ser un gran homenaje a dicho género. Me parece que el género western necesitaba que Tarantino formara parte de sus realizadores, le diera una despolvada y le aplicara un nuevo aire como él lo sabe hacer, con largas escenas pero envolventes, un guión y un ritmo muy sólido, personajes definidos meticulosamente con un muy extraño carisma, crítica social y mucha sangre, heredando a la cinematografía escenas imborrables. Precisamente la cuestión de las escenas largas que terminan en algo inesperado fue el fallo que no pudo resolver Tarantino en Bastardos sin Gloria y que demeritó en hacer la historia en ratos cansada, en esta ocasión afortunadamente no sucedió. Quentin es uno de los autores estadounidenses que mejor entienden su cultura y en esta cinta de vaqueros sureños la temática de la esclavitud y la discriminación no exagera y nos retrata un problema que aún en nuestros días está presente en el país del norte en varias personas, nada más que ahora con distintas culturas y "razas". Y que decir de los personajes, están a la altura que los más legendarios de sus sagas, salvo Django donde creo que el personaje pudo haberse explotado más desde su creación en el guión y que al final dicho personaje nos dejó más ganas de verlo a su máxima expresión.

Algo que siempre se espera de un film de Tarantino es que su reparto esté fenomenal y esta no es la excepción. Jaime Foxx nos retrata a un esclavo marcado en su carácter duro por las torturas y la desesperanza cuyo sentimiento de empatia y amor se encuentra reservado para su esposa, quizá es el personaje con mayor sensibilidad de la filmografía de Tarantino pero esto no impide que en cuanto tome una pistola el personaje deje chorreada de sangre la pantalla. Christoph Waltz en su interpretación del Dr. King Schultz parece que nos presenta al tío abuelo del Coronel Hans Landa (Bastardos sin Gloria) pues del personaje nazi comparte Schultz lo preciso, carismático, enigmático y talentoso con las armas pero el Doctor King está del lado de los buenos y al igual que en su anterior interpretación Waltz es la mejor actuación de la cinta. Leonardo Di Caprio como Calvin Candie vuelve a reafirmar que ya no es una cara bonita y es su mejor actuación como antagonista de lo que lleva de su carrera, creando un esclavista multimillonario que al mismo tiempo de ser alguien aparentemente amistoso esconde un temible y oscuro monstruo cuando algo no le parece. Samuel L. Jackson (en su quinta participación con Tarantino), como la conciencia de Calvin, un esclavo reprimido pero calculador y de cabellera y cejas de borrego nos muestra el poder de camaleonismo de Jackson. Kerry Washington quizás es el personaje más débil de la filmografía de Tarantino interpretando a una mujer común y corriente (claro, no hay que dejar atrás lo sexy) pero traumatizada por los "encantos" de la esclavitud. Del resto del reparto vale la pena mencionar el cameo de Franco Nero, quien en los 60's interpretó a un vaquero llamado Django en la cinta homónima de Sergio Corbucci, una de las mayores inspiraciones de Tarantino para la realización de esta cinta.

Visualmente hablando a lo largo de toda la cinta, a través de la paleta de colores de la cámara de Robert Richardson, se maneja una estética de colores cálidos quizás para representar visualmente lo ostentoso y lujoso de la época pero también lo sangriento de la tortura a los esclavos. Como le gusta a Tarantino, la fotografía de la cinta está más enfocada a la historia de los personajes sin desviar la atención de paisajes u otros elementos que no ayuden a la historia aunque al ser un western tenía que haber un espacio para mostrar el antiguo y árido entorno. Quizás el desatino en el lado visual es lo muy usado de los acercamientos a close ups bruscos que en ocasiones no había por qué hacerlos. El diseño de producción de J. Michael Riva así como las decoraciones de Leslie A. Pope nos remontan de gran manera a la época de los pueblos del oeste y del sur de mediados del siglo XIX.

La música es un elemento fundamental de las películas de Tarantino. Por primera ocasión parte de la banda sonora de la película incluye piezas inéditas como "Anquora Qui" compuesto por Ennio Morricone e interpretado por Elisa Toffolli, "Who did that to you?" de John Legend o "Freedom" de dueto de Anthony Hamilton y Elayna Boynton pasando por temas no originales de artistas como Johnny Cash, James Brown o Jim Croce sin dejar pasar temas clásicos del cine western como Luis Bacalov (incluyendo el tema de la cinta Django de 1966 dirigida por Sergio Corbucci), el antes mencionado Morricone, Jerry Goldsmith y Riziero Ortolani. Esta banda sonora queda a la perfección y no exenta a una cinta de vaqueros de tener temas actuales que compartan su esencia. Una banda sonora de las más cool del año pasado.

Django sin Cadenas es otra gran película de Quentin Tarantino, que nos debía su talento magistral desde hace un tiempo, una más que disfrutable cinta que al contrario de otras del 2012 retrata de una exquisita y respetuosa manera un conflicto social como el que plantea la cinta.

Martin Scorsese nos tiene acostumbrados a un cine muy adulto, con personajes oscuros y principalmente delincuentes. Esta es la primer película meramente familiar de este cineasta y la primera en 3D, por lo cual nos cuenta que Scorsese tenía muy oculta esta faceta y que el mismo grandioso talento para otros proyectos es latente en esta cinta. Hugo Cabret (Asa Butterfield) es un huérfano que ajusta sin que nadie lo sepa los relojes de una estación de trenes de Paris. Junto a Isabelle, la nieta (Chloë Grace Moretz) de un vendedor de juguetes amargado (Ben Kingsley), Hugo buscará resolver el misterio que guarda un autómata en busca de algún mensaje de su padre. Pero parece que el mecanismo también encierra una conexión con Isabelle y su familia. Con esta cinta basada en la novela semi-gráfica The Invention of Hugo Cabret (Semi-gráfica puesto que la narrativa es acompañada con varias hojas con dibujos de partes de la novela) de Brian Selznick y adaptada por John Logan, Martin Scorsese nos muestra que es capaz de trabajar en una cinta de corte infantil de una manera grandiosa: logrando una adaptación muy fiel en lo narrativo y visual de la novela donde quizá la única falla sea un poco que le faltó delimitar un poco más a más de un personaje enfocándose principalmente en Hugo y en George Méliès pero dejando un poco opacados a otros, pero no es un error garrafal y éste se compensa con la perfección con la que Scorsese desarrolló cada escena, tratada con una gran delicadeza y precisión, ésto siendo clásico en el cineasta neoyorkino en el que podemos encontrar grandes coincidencias con Hugo, un hombre creativo e innovador y con un gran amor por el cine, siendo esto último el valor que rescata la cinta y que enaltece como muy pocas veces se ha visto. A la vez es la primera película que Martin Scorsese realiza en tercera dimensión y como el gran maestro que es, Scorsese da un tratamiento de ese formato inigualable y artístico que crea una atmósfera mágica y llevándonos a través de la pantalla al Paris de los 30's.

Las actuaciones individualmente hablando no son ejercicios meramente memorables pero cada actor desarrolla su papel de una manera excelente. Los chicos Asa Butterfield y Chloë Grace Moretz que ya han trabajado protagonizando filmes vuelven a demostrar que tienen un gran talento y futuro y Grace en particular se va definiendo poco a poco como una actriz camaleónica, al igual que Sacha Baron Cohen que siempre le imprime un toque cómico a sus personajes aún cuando sean estos villanos, como es el caso del Inspector, un personaje reprimido pero con algo de alma. Si Butterfield logra mostrarnos el niño interior que hay en Marty, Ben Kingsley que interpreta a George Méliès, nos muestra el amor por el que Scorsese le tiene a su profesión, ser director de cine. Igualmente da gusto ver a Christopher Lee, a Helen McCrory y a Richard Griffiths.

La fotografía de Robert Richardson siempre me ha parecido muy distintiva, tiene una paleta de colores muy llamativos única y demuestra que es capaz de realizar cualquier plano que se requiera y más para el perfeccionista de Scorsese. En esta ocasión los colores son entre azulados y dorados y tomas con una gran cantidad de giros y con una perspectiva muy definida para darle ese efecto artístico y sorprendente al 3D usado en la cinta. Ésto se maximiza con la fotografía virtual del Paris de los 30's y los efectos visuales de Robert Legato, Joss Williams, Ben Grossmann y Alex Henning, el siempre asombroso diseño de producción de Dante Ferreti, la decoración de Francesca Lo Schiavo y el vestuario de Sandy Powell que como dije antes hacen de la estación de trenes, de Paris y de sus personajes un lugar mágico y en donde todo ello se conjuga desde el primer inolvidable plano secuencia que va desde los cielos de Paris hasta la cueva mecánica de Hugo.

La música de Howard Shore casi nunca será un trabajo muy parecido a otros y esta no es la excepción, pues este maestro logra acoplarse bastante bien al contexto mostrado en la cinta, en esta ocasión se enfocó en usar una música que combine la música tradicional del cine silente con la tradicional francesa para regalarnos una banda sonora muy peculiar, elegante, en momentos infantil pero todo ello para lograr musicalizar el entorno fantástico del filme.

Como se ha dicho en muchos artículos, Scorsese le da en rollo de celuloide una carta de amor al Cine, ese arte que a pesar de los adelantos y el lado comercial de éste sigue siendo un vehículo para transportarnos a mundos de magia. Esta película se integra al catálogo de obras maestras de Scorsese.

Ang Lee es prueba que en el cine los desafíos son el mayor ejemplo del talento de una persona y el director taiwanés vuelve a demostrar que es uno de los más talentosos cineastas de la actualidad con este reflexivo y filosófico filme familiar.

Piscine Molitor Patel (Suraj Sharma), mejor conocido como Pi, es un chico de 16 años que vive con su familia en la India, quienes mantienen un zoológico. Un día, el padre de Pi decide trasladar el zoológico a Canada, por lo que toda la familia Patel deberá viajar en barco rumbo a América. Una noche durante el viaje se desata una terrible tormenta ocasionando el hundimiento del barco. Pi, que afortunadamente se encontraba fuera de su camarote logra ser el único humano en salvarse, pero no el único en sobrevivir. Pi tendrá que convivir, y sobrevivir en la lancha con Richard Parker, un majestuoso tigre de bengala que no durará mucho en tener hambre. La historia de esta cinta es una excelente reflexión acerca de la espiritualidad, cuál Dios de todas las religiones es el verdadero, cuáles son los caminos que nos tiene preparada la vida y si esos caminos son pruebas celestiales de una mano divina, qué es lo que decidimos creer.

De esta película basada en la novela homónima de Yann Martel y adaptada por David Magee podemos agradecer y elogiar dos cosas a Lee: La primera, que Lee se haya arriesgado a adaptar la novela y que en ella perdurara el espiritual y reflexivo mensaje de la historia y a la vez entregase una cinta disfrutable y emocionante apta para todo el público, y segundo, que la utilización del 3D haya sido manejada como un elemento vital y participe de la narrativa y no un instrumento innecesario y lucrativo. Narrativamente hablando y que tal vez sea el único pero importante fallo es el uso de la narración a través de un Pi adulto con un escritor; Magee y Lee al parecer quisieron hacer una gran mención a Yann Martel cambiando la forma narrativa de la novela y siendo el punto más débil de la película, saliéndose totalmente de la estética del naufragio y en momentos perder el ritmo de la historia. Técnicamente hablando creo que Lee supero los grandes retos que tenía la cinta y como ya nos tiene acostumbrados dotó a la película de un aspecto visual poético y onírico en gran cantidad de la película y brindándonos varias escenas que quedarán en la memoria cinematográfica.

Lee reafirma su talento como director de actores. Suraj Sharma se encarga de darle vida a Pi y durante más de la mitad de la cinta es el único humano en escena. Un desafío que el primerizo actor supera con creces para haber sido ésta la primer actuación que hace en su vida. Sharma además logra mostrar el crecimiento y madurez que va enfrentando Pi en los 227 días que se encuentra sólo con Richard Parker. Del resto del cast podemos hablar bien por las intervenciones que tienen en la cinta. Irrfan Khan a pesar de no tener mucho parentesco físico logra que la misma personalidad de Pi que muestre Sharma a los 16 años, la tenga a más de 40 años. Igual hay que destacar la interpretación de los también novatos Ayush Tandon y Gautam Belur por interpretar al Pi a los 11 y 5 años respectivamente. A todos estos muchachos esperemos volver a verlos pronto en las pantallas. Tabu, Adil Hussain y Gérard Depardieu dan muestra de su talento a una producción extranjera a su nación (siendo el francés más adepto a las producciones norteamericanas que los otros). Rafe Spall interpretando al escritor además de hacer de un papel innecesario su actuación es muy gris.

Visualmente hablando estamos ante uno de los mejores ejercicios visuales del 2012. La fotografía de Claudio Miranda es asombrosa, llena de colores vívidos desde la folclórica India hasta los amarillentos ocasos y noches en el mar. Las tomas de Miranda, acompañadas por los efectos visuales dan una experiencia visual fenomental. El 3D, como dije antes funciona más como introducción a la película que estrategia comercial, es asombroso sentir las medusas brillantes cuales estrellas flotando en el cielo y los peces volando hacia nosotros. Eso es un buen uso del 3D que grandes como Hitchcock o Scorsese han sabido aprovechar como elemento de la historia. Los efectos visuales, a cargo de Bill Westenhofer, Guillaume Rocheron, Erik-Jan De Boer and Donald R. Elliott son impecables. El Richard Parker creado por CGI luce exactamente igual al tigre que usaron para ciertas escenas, sin dejar atrás todos los animales creados digitalmente y que son totalmente creíbles. El resto del equipo de trabajo visual igualmente realizo una estupenda labor.

La música de Michael Danna es mágica, logra dotar de las escenas más solitarias ese ambiente espiritual y reflexivo con el toque hindú que plantea la cinta sin dejar atrás muy buenas composiciones orquestadas para los distintos episodios que atraviesa Pi y que va evolucionando con piezas más amigables a composiciones duras conforme pasa la historia. Un gran soundtrack.

Estamos ante una más que excelente película de Ang Lee, una película que invita a todos los públicos a una parábola emocionante llena de inspiración, coraje y reflexión.

Tras varios intentos fallidos por revitalizar la saga de Alien y un retraso con la filmación de Terminator por problemas de agenda con Arnold Schwarzenegger, James Cameron presentó un guión que encantó a Fox para producirla terminando Terminator y con la batuta de director a Cameron en caso que la cinta protagonizada por Schwarzenegger fuera un éxito. Así lo fue, James Cameron conquistó la taquilla y la crítica, el presupuesto de la cinta casi duplicaba al de la película anterior, y además con el hecho que Sigourney Weaver aceptó volver a protagonizar a Ellen Ripley y el estudio accedió a pagarle lo que quería la actriz el proyecto se llevó a cabo como James lo hubiese querido. El guión y dirección de James Cameron respeta la esencia de la cinta anterior, de Ripley y de la estética y las creaturas creadas entre otros por H.R. Giger pero en esta ocasión la cinta se enfoca más al terror y la acción que al horror de la cinta pasada dando como resultado una interesante mezcla de géneros (una cinta de terror bélica y de acción) en los cuales está película se vuelve valiosa, valiosa por el perfeccionismo de las escenas y los detalles que se muestran, escenas y encuadres que difícilmente se nos olviden de la mente y que han sido influencia para cintas posteriores, un ritmo que va aumentando y provoca emoción, angustia y expectación, un manejo de los personajes bastante correcto. En términos narrativos, Aliens desarrolla una atmósfera más abierta a la claustrofobia de la cinta del 79 pero donde el terror está expandido y más dañino y si Alien tocaba como tema el nacimiento y crecimiento de una especie, Aliens recalca mucho el valor de la maternidad, la protección y la confrontación maternal por el bienestar de los hijos, mostrada tanto en Ripley, cuyo actuar de madre la convierte de una mujer con actitud de líder pero pacifica a una violenta heroína de acción, un personaje que aún en su tiempo era poco renuente y que lucha con otra madre como en la gigante mamá Alien. En Terminator o Piraña 2, James Cameron comenzaba a mostrar el tipo de cintas que iba a dirigir en un futuro pero con Aliens se consolido su estilo, con colores primordialmente azulados, una gran atención por los detalles estilisticos, un dominio de todas las áreas en la filmación, una perfección y disciplina que incluso molestó a bastantes en el set y un gusto tremendo por lo metálico, las armas, el ejercito que en cintas como Avatar, Titanic o Terminator 2 se plasma y son cintas que se mencionan más en su filmografía que la que ahora reseñamos y que sin ésta el resultado de las otras no hubiese sido el mismo.

Si la fuerza de la cinta de Ridley Scott se basaba en el impacto de las interpretaciones, esta cinta, con muchos más integrantes en el reparto (de 8 en la cinta pasada ahora el elenco de la cinta era de 24 sin contar extras), dejó que el impacto de la cinta se viera más por el valor visual y narrativo, pues aparte del personaje de Ripley que es el único que está perfectamente delineado y que Sigourney Weaver interpretó de forma estupenda e incluso fue nominada al Oscar por ello, el resto del elenco era muy complementario a Weaver que sus personajes y por ende, su interpretación no logre desenvolverse como podrían. Sólo tras Weaver destacan las actuaciones de Carrie Henn y Lance Henriksen porque no eran marines como el resto del elenco y hacen participaciones correctas. De los marines destacan sólo por la apariencia y el poco protagonismo brindado Jenette Goldstein y Michael Biehn. Lo que hay que notar de los que interpretaron a los marines es el realismo que interpretaron sus personajes de soldados, producto de semanas con entrenamiento militar antes de la filmación, donde también desarrollaron una buena química, pero repito que el problema con sus interpretaciones es por el guión.

Dentro del aspecto visual podemos decir que se desarrolla un excepcional trabajo y donde los aspectos de la cinta anterior se respetaron pero como he mencionado antes, los espacios reducidos de la obra pasada, quedan desechos y cambiados por algo más universal, un terror más abierto y esparcido, sets realizados por el equipo de Terry Ackland-Snow y Peter Lamont más iluminados con tonos azules y metálicos que hacían más futurista a la cinta y que además se desarrollan en naves y espacios diferentes a la Nostromo. En cuanto a las criaturas, y sin contar con la presencia de Giger adaptaron los modelos de Aliens sin profanar el estilo del gótico artista para darle mayor movilidad a los Aliens y la Alien Reina Madre conserva características de la mano de Giger. En cuanto a dirección de fotografía, tras desacuerdos con el primer cinefotógrafo Cameron le concedió la oportunidad a Adrian Biddle que logró plasmar con la iluminación, los colores, tomas revertidas y con gran variedad de enfoques las tomas que quería Cameron. Los efectos visuales y especiales jugaron un papel fundamental que aumentan la credibilidad de las escenas por lo bien realizado de su trabajo. La edición de Ray Lovejoy toma la experiencia de haber trabajado con Kubrick editando una cinta de terror (El Resplandor) y una de Ciencia Ficción (2001) conjuntando estos trabajos y logrando un montaje bastante efectivo.

La música de James Horner, que siempre he considerado trabajos algo exagerados, a pesar de haber sido desarrollada con mucha presión por los tiempos de postproducción y los retrasos en la filmación, es efectiva y resalta el valor militar pero también el terrorífico de la cinta y que juega durante toda la banda sonora con ello para determinados momentos. Aunque creo que sin las prisas hicieron que el trabajo hubiera sido mejor.

La ciencia ficción tiene grandes clásicos y cada uno de ellos comparte que no tienen la misma forma de manifestar el género, Alien lo hace a base del terror. A partir de 2001 Odisea en el Espacio se observó que la ciencia ficción podía ser realista, podíamos transmitir esa sensación de otros mundos sin necesidad que los efectos parecieran demostrar lo contrario. Alien, segunda cinta de Ridley Scott logró hacer eso y además aterrorizarnos de una forma de otro planeta. La tripulación de la nave espacial de transporte comercial USCSS Nostromo viaja de regreso a la Tierra dormidos en un sueño criogénico. Aún sin llegar a su destino final la nave los despertará para que analicen una señal de ayuda en un planetoide LV-426. La integración formada por el capitán Dallas (Tom Skerritt), la Piloto Lambert (Veronica Cartwright), el Ingeniero Técnico Brett (Harry Dean Stanton), la Oficial de Mando Ripley (Sigourney Weaver), el Oficial Ejecutivo Kane (John Hurt), el Oficial Científico Ash (Ian Holm) y el Ingeniero Jefe Parker (Yaphet Kotto) investigará el extraño llamado pero parece que no era un llamado de auxilio, sino una alerta sobre un peligro inminente, aunque el equipo se dio cuenta demasiado tarde.

Como tributo al cine de ciencia ficción clásico pero en tono cómico, Dan O'Bannon y Ronald Shusett crearon la historia Star Beast que ofrecieron a las productoras que después la modificaron para hacerla una versión de acción y suspenso y el plan de convertirla en una cinta serie B se cambió a una producción de alto presupuesto. Tras el éxito en Cannes del primer filme de Ridley Scott, Los Duelistas, la Fox decidió ofrecerle la dirección de esta cinta, decisión que aceptó Scott. Basado en el guión final de O'Bannon, Scott hizo que la película tuviera un mayor presupuesto, formó un equipo formidable junto con los creadores de criaturas y efectos visuales H.R. Giger y Carlo Rambaldi y así lograr el estilo claustrofóbico, oscuro y poco visto que hizo el efecto que ocasiona esta película, sentirnos con un miedo psicológico tan grande como pocas veces se ha logrado y más en ciencia ficción al hacerte sentir en la tripulación, con la claustrofobia de la oscura nave, con la expectativa de lo que pueda suceder. Scott nos brinda una cinta con una técnica muy parecida en tensión y en aspectos técnicos a 2001 (Kubrick) y a Solaris (Tarkovsky) y en cuanto a horror se basó bastante en La Masacre de Texas (Tobe Hooper), sólo que aquí el mounstruo es algo más tangible que los aliens de las otras, el producto más comercial y crea una atmósfera sucia, sexual y maléfica lograda así por un ritmo vertiginoso minuto a minuto que cada vez sube hasta llegar a nosotros una emoción nada placentera magistral. Scott logra, al hacer sentir enojados y con expectativas al reparto, para que el elenco transmitiera al público el temor. El resultado final que nos brinda la dirección de Scott es un producto excelsamente armado, con montón de escenas inolvidables (Desde el incio en que nos internamos en Nostromo, el nacimiento del Alien, cada crimen que comete la bestia y el impactante final) y que vence las barreras de ambos géneros.

Como he dicho antes, el resultado que nos brinda el elenco es excelente, cada actor trata de no ser opacado por uno y salvo Veronica Cartwright cuyo personaje nos quedó a deber, los 6 restantes nos brindan una interpretación de lo más real: Weaver, en su primera actuación en cine y con antecedentes teatrales da muestra de su poder histriónico, Hurt brilla por el sufrimiento de su personaje y como lo transmite en la pantalla, Holm frío pero tremendo, Kotto que si bien es el alma de la fiesta es quien hace notar más efusivamente el terror y Skerritt y Dean Stanton que llevan estupendo su papel.

En el apartado visual no hay por qué quejarse de algo, todo visualmente es perfecto. La dirección de fotografía de Derek Vanlint muy asesorada por Scott (que no se despegaba tampoco de la cámara) no usa sólo un tipo de toma para la cinta, varía bastante con tomas en cámara en mano, tomas en movimiento con dollys, tomas aéreas y fijas, que actúan de acuerdo a la acción del momento y colabora a que nos sintamos dentro de la película. La dirección artística y diseño de producción de Michael Seymour y Roger Christian apoyándose de los creadores H.R. Giger y Carlo Rambaldi es un trabajo fascinante en el que recrean un mundo del que no queremos imaginarnos, un futuro tosco, con mecanismos pesados y sucios, todo muy cuadrado y gris y en contraste con los rasgos sexuales (Giger creó al planeta y a los aliens con rasgos de falos y vaginas), verdosos y siniestros del mundo del planetoide desconocido. Igualmente, los efectos de Brian Johnson, Nick Allder y Dennis Ayling son asombrosos y realistas, de la talla de Star Wars o 2001 (De hecho tuvo el mismo presupuesto que la primera parte de las Guerras de las Galaxias).

Y finalmente, hablando de la música, Jerry Goldsmith realiza un trabajo estupendo en el que la música compensa muy bien escenas que sin el acompañamiento musical algunos calificarían de aburridas y como buena música de cinta de terror logra aumentar la tensión por medio de tonos altos, de incertidumbre y presión que en ratos remiten al trabajo que realizó para La Profecía.

Bajo el slogan "En el espacio nadie puede oir tus gritos", este es el majestuoso inicio de una de las más grandes sagas de la historia del cine, un rompecabezas de horror de gran calidad con escenas y personajes que se quedarán para la memoria del celuloide que a pesar de contar con más de 30 años, tiene vigencia absoluta hoy en día.

En 2012 Nolan tenía la dificil misión de hacer una secuela y una parte final de su saga que igualara en calidad a sus trabajos anteriores y para ello realizó junto con su hermano Jonathan y David S. Goyer un guión que cerrara como un círculo la historia de su Batman y lo logró, tomando elementos de las dos cintas pero sobre todo de la primera para abordar más aún el conflicto de la personalidad y misión de Batman y Bruce Wayne cuestionada por sus colegas Fox, Gordon y Alfred; y crear villanos que estuvieran a su altura tanto física como intelectualmente y Bane y Selina Kyle (Mejor conocida como Gatúbela) fueron la mejor elección que tuvieron los Nolan y Goyer, sobre todo de Bane que en realidad vendría siendo la personalidad de la mitad de rostro destruido de Dent en Batman; un ser con una fuerza superior, con un plan de anarquía fascista impresionante y una sed de venganza latente. Y al igual que con las anteriores entregas, Nolan nos hace una muestra de una decadencia social sin reales líderes que sólo puede llevar al colapso que vivimos como en éstos momentos. Tampoco Nolan nos podía dejar sin sus ya conocidos y bien logrados giros de tuerca respaldando su título de mago cinematográfico. Nolan consigue una dirección prácticamente perfecta brindando credibilidad a través del poco uso de CGI sobre todo para los extras (usó a 11 mil para la escena del partido de fútbol), dirigiendo a su reparto para que cada personaje de lo que tenga que dar, y poniendo la piel de gallina con sus escenas tanto por escenas de acción como dramáticas, con un manejo del ritmo de manera cardíaca.

Histriónicamente hablando ningún actor le roba la cámara a otro, cada quien cumplió su papel de una manera muy entregada y satisfactoria. Christian Bale como Batman recupera un poco el protagonismo que le robó el Joker de Ledger y físicamente logra recordarnos que no es lo mismo Batman que ocho años después (o cuatro en realidad) pero su experiencia y hechos que marcaron lo vuelven más fuerte. Bale refrenda el por qué Nolan lo escogió y que es el mejor Batman que ha tenido el séptimo arte. Tom Hardy está en el papel que lo marcará con un antes y un después en su carrera (que Nolan lo empujó a ello desde El Origen) no sólo por ser el villano sino porque realiza un papel estupendo infundiendo el carácter incorruptible del Bane de los comics y cuya actuación facial se basaba sólo en sus ojos logrando infundir en ellos la rabia y maldad de aquel mercenario. Anne Hathaway quizás no supere a la Catwoman de Burton, pero es distinta tanto en su psique como personalidad lo que hace de ella un personaje no muy parecido al de Batman Regresa siendo en la cinta de Nolan una mujer no villana ni heroína sino como una mujer poderosa y bella que busca obtener sólo lo que quiere y Hathaway la interpreta perfectamente. Quienes igual nos brindan una actuación de la que ya nos tienen acostumbrados son Marion Cotillard con un personaje inesperadamente importante, Joseph Gordon Levitt que tiene mayor protagonismo que el que pensamos, Michael Caine que ésta vez tiene menor participación que en las entregas anteriores pero que nos sigue cautivando y conmoviendo, Gary Oldman que ahora toma más la batuta reflexiva de los camaradas de Batman, Morgan Freeman que como siempre no falla en sus interpretaciones, Matthew Modine que si bien es un personaje secundario es el mayor reflejo del humano en la cinta y que es la conexión más directa que ha tenido Kubrick con Nolan (Modine protagonizó Cara de Guerra con un personaje apodado Joker).

Visualmente hablando el equipo tradicional de Nolan compuesto por Wally Pfister (Director de fotografía), Lee Smith (Edición), Nathan Crowley (Diseño de Producción), James Hambidge y Naaman Marshall (Dirección Artística) crean un trabajo sobrio y perfecto. La dirección de fotografía de Pfister que en Inicia tenía colores naranjas y en El Caballero de la Noche azueles utiliza en ésta cinta una paleta de colores grisasea adecuada para colorear de desesperanza y frío al entorno de Ciudad Gótica y Batman y en esta ocasión, filmando con una mayor cantidad de metraje IMAX, Pfister utiliza encuadres en su mayoría muy abiertos para aprovechar el recurso de la calidad de la cámara. La edición de Smith por primer vez en la saga utiliza flashbacks que fueron bien utilizados y su trabajo es el detonante que el ritmo de la cinta tenga ese alcance adrenalínico en los espectadores. Crowley hace un excelente trabajo al volver a hacer la mansión Wayne como la quería Bruce (reconstruirla piedra tras piedra y ampliar la Baticueva) y crear sets subterráneos impresionantes. Qué decir del trabajo artístico que mantiene el espíritu moderno y minimalísta de Nolan. Tampoco hay que dejar los más que satisfactorios efectos especiales y visuales que nos regalaron una credibilidad ante las escenas de acción muy bien logradas y diseñadas.

La música de Hans Zimmer podrá ser criticada como ruidosa pero lo amerita quizás para que nos toque más el corazón esta película. En ésta ocasión, trabajando sin James Newton Howard, Zimmer vuelve a brindarnos temas característicos para los nuevos personajes y adaptando los de las cintas pasadas a los mismos para crear una banda sonora consistente y que honra a la saga.

Esta cinta es el cierre perfecto de una saga que expandió un genero y que le dio un alcance inimaginable. Tal vez no llores en la cinta como varía gente lo ha hecho (o tal vez sí) pero te aseguro que el corazón te palpitará con este desenlace minuto a minuto.

Esta cinta llegó en el preciso momento de las elecciones aunque a la vez algo tarde para provocar una reacción más amplia de lo que iba a acontecer este año: La imposición de un nuevo candidato por un sistema manejado por la corrupción y el delito y el darnos cuenta que los fantasmas de 1994 siguen vivos aún hoy.

El 23 de marzo de 1994 en la colonia Lomas Taurinas de Tijuana, Baja California Norte; el candidato del Partido Revolucionario Institucional, Luis Donaldo Colosio (Enoc Leaño) fue asesinado durante un mitin político por Mario Aburto (Harold Torres). Andrés Vázquez (José María Yazpik) fue comisionado para realizar una investigación paralela a la oficial donde descubre que más allá del asesino solitario se entrecruzan varios hechos y nombres que apuntan a un complot de proporciones nacionales que amenazarán la vida de Andrés y los suyos.

Basados en el libro "La Culebra" de Carlos Puig, los escritores Miguel Necoechea, Hugo Rodríguez y el también director Carlos Bolado realizaron un guión de un thriller político muy bien trazado desde el inicio, que mantiene un timing excelente para que se mantenga al espectador pegado al asiento durante el metraje de la cinta en donde se expone uno de los casos más vergonzosos de la historia política de nuestro país que demuestra el rompimiento de la moral y la paz en aras del poder y que demuestra que aún 18 años después la mancha de sangre de Colosio en la tierra sigue sin poder borrarse y aún no ha habido un cambio que nos permitan mandar al pasado estos hechos. Junto con cintas como El Infierno, Miss Bala, Días de Gracia y otras más, Colosio, el asesinato se une a un conjunto de cintas de un tono neorrealista y que de hecho Carlos Bolado volverá a mostrar en Tlatelolco otro hecho atroz del gobierno priísta en 2013. Más técnicamente hablando Bolado logra consolidad una película sólida en la que los recursos narrativos, histriónicos y los serios aspectos técnicos muy bien logrados complementan unos a otros a un producto muy disfrutable, polémico y revelador, aunque a lo mejor en muchos ocasionará coraje y vergüenza.

El reparto multiestelar mexicano realiza como habíamos mencionado antes un trabajo muy bien logrado con actuaciones serias pero realistas. José María Yazpik y Kate del Castillo como el pilar de la ficción de la cinta son muestra de la sociedad mexicana afectada indirectamente por el hecho, Daniel Giménez Cacho como El Doctor (haciendo alusión a Jose Maria Cordoba Montoya, el asesor principal de Carlos Salinas de Gortari) hace un papel de villano muy bien detallado y caracterizado que es el mayor reflejo de la corrupción y manipulación gubernamental, un villano que causa odio desde que se le ve; Odiseo Bichir como El Licenciado (Alusión a José Francisco Ruiz Massieu que ese mismo año fue asesinado también) nos regala uno de sus mejores papeles en cine como victima de la doble cara del gobierno. Otros actores a destacar son Tenoch Huerta, Harold Torres, Dagoberto Gama, Emilio Echevarria y Enoc Leaño, este último por lograr físicamente regresar de la tumba a Colosio.

En los aspectos técnicos podríamos destacar una seria dirección de fotografía de Andrés León Becker que si bien no es destacable por alguna toma en particular es un trabajo con una paleta de colores muy sobrios y movimientos de cámara adecuados. La edición de Carlos Bolado, Luciana Jauffred Gorostiza y Francisco X. Rivera hace que el ritmo de la cinta y la unión de las tomas sea tan bueno y que tuviera el impacto del público que tiene. Visualmente se logró que por los decorados de Sandra Cabriada nos regresáramos a los 90's y se recreara de gran manera Lomas Taurinas.

La música de Pascual Reyes combina bien los tonos de música orquestada y de rock para crear una tensa y efectiva banda sonora.

Colosio, el asesinato, es una excelente película que todo mexicano debería ver ya sea porque no vivió los hechos o para que los recuerde y analice la situación política actual.

Este filme es cine de culto inmediato, un tratamiento del lenguaje cinematográfico estupendo. La cinta nos narra la historia de un misterioso hombre (Ryan Gosling) que aprovecha sus impresionantes dotes de conductor como actor de escenas de riesgo, mecánico y para cometer acciones ilegales. En esta ocasión, el conductor utilizará ello y más para ayudar a un vecino (Oscar Isaac) a saldar una deuda, aunque en realidad sea para acercarse más a su mujer (Carey Mulligan), de la que queda enamorado instantáneamente. Lo que no sabe el conductor es que se está metiendo a un terreno del que será muy difícil salir. Con un guión escrito de Hossein Amini basado en la novela de James Sallis, el director danés Nicolas Winding Refn logra realizar una película casi perfecta, salvo algunas fallas de ritmo en algunas escenas, pero compensado con un impresionante uso de todos los recursos fílmicos tanto técnicos como narrativos para lograr que el espectador sienta que esta viendo algo poco visto y llegando a niveles de maestría a través de una gran variedad de escenas que quedarán para la memoria cinematográfica y que hace de este filme uno de estudio y alabanza. Narrativamente y en ciertos aspectos técnicos se nota la influencia de la filmografía de Scorsese (sobre todo de la película de Taxi Driver), Coppola, Lynch, Tarantino y Jodorowsky (fuente de inspiración para esta película), con escenas con una violencia muy bien justificada y coreografiada, con personajes misteriosos, poco expresivos, con problemas existenciales y que explotan de un momento para otro, en un ambiente perturbador y cada vez más insospechado.

Las actuaciones principales no dejan a decepcionar y los personajes que interpretan Gosling, Cranston y Brooks se quedan como indispensables de la carrera de dichos actores. Ryan Gosling, interpretando al misterioso conductor nos reafirma que lo suyo son los papeles de personajes serios, cerrados y con mucha introspectiva, y aquí explota ello en todas sus capacidades haciendo de este personaje uno entrañable pero a la vez asombrósamente temible. Bryan Cranston, más conocido por sus papeles en TV logra quizás su mayor protagonismo en cine como amigo y consejero del personaje de Gosling, un papel muy bien llevado donde se confirma lo camaleónico que puede ser este actor subvalorado en el séptimo arte. Quien se aleja del tipo de personaje común que interpreta es Brooks, quien normalmente realiza papeles cómicos pero que en esta ocasión nos regala un villano temible y que todo el mundo odiara. Creo que los personajes de Mulligan y de Ron Perlman se pudieron haber explotado un poco más.

La fotografía de Newton Thomas Sigel (Uno de los brazos derechos de Bryan Singer), toma muy bien los colores cálidos del ocaso californiano y los distribuye a lo largo de la película para poder instalarnos en un contexto de misterio, crimen y suciedad y que se contrasta por la belleza de las tomas en cámara lenta y la exactitud de varias tomas de acción que se lucen perfectamente por una gran sincronizada edición de Matthew Newman que logra hacer un ritmo adrenalínico para varias escenas. En el aspecto visual podríamos destacar al departamento de maquillaje y de efectos visuales por tan realista sangre y a los encargados de vestuario por tan genial chaqueta blanca con escorpión en la espalda que le pusieron a Gosling que quedará como una prenda para la memoria del cinéfilo.

La música de Cliff Martínez logra introducirnos en un mundo donde cada tonada parece una sinfonía de manecillas, una carrera contra el tiempo sonora en un contexto de maldad y crimen, un soundtrack muy minimalista y emocionante. La música no original que se usó se complementa bastante al tono de la película y aligera y focaliza las escenas románticas, con temas como "Nightcall" de Kavinsky & Lovefoxxx, "Oh my Love" de Riz Ortolani o "Tick of the Clock" de The Chromatics. Sin el excelente uso que se le dio a la música en esta cinta todo el resultado se pudo haber ido al fiasco.

Estamos ante una de las obras maestras más importantes de los últimos años en cuanto a lenguaje y recursos técnicos se refiere. No por nada ganó el premio a Mejor Director en la pasada edición del Festival de Cannes.

Esta película seudodeportiva sobre romper paradigmas al menos no los rompe en el género. La cinta nos cuenta la historia de Billy Beane (Brad Pitt), gerente general del equipo de béisbol Oakland A's, un equipo que a principios del nuevo milenio estaba en el total fracaso, muy posiblemente por el presupuesto con el que contaba el equipo. Billy buscaba la forma en conseguir más presupuesto para el equipo en pro de conseguir mejores resultados, pero con la ayuda del económico Peter Brand (Jonah Hill) encontrará en las estadísticas un equipo con buenos jugadores sin gastar mucho en transferencias. Beane y Brand arman un gran equipo, sin embargo la negativa de esta forma de pronosticar resultados de parte de los directivos y el entrenador impedirán que los A's consigan el resultado previsto.

Bennet Miller, director de la aclamada Capote (2005) toma el control de esta cinta después que Steven Soderbergh rechazara dirigirla años atrás y nos ofrece una cinta entretenida, con una muy buena conjunción de los aspectos técnicos y narrativos y dando en general un resultado correcto, sin embargo creo que el problema de la cinta surge del guión adaptado de la novela Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game de Michael Lewis escrito por Aaron Sorkin, a mi parecer un guionista sobrevalorado pues después de escribir el guión de La Red Social me doy cuenta que sus guiones son muy estadounidenses impidiendo que sus resultados sean los mismos en Estados Unidos que en otros países, pues aunque es menos rebuscado que el guión que hizo para Fincher, no encuentro un producto sobresaliente más allá de la correcta reflexión del rompimiento de paradigmas, siento que hay un factor que falta en los guiones de Sorkin para que tengan la misma validez espacial en todo el mundo. Esto es el principal impedimento para que Miller pudiese haber realizado una película más inspiradora y aleccionadora que se queda en términos correctos pero no trascendentales en el género de cine de deportes.

Las actuaciones más destacables principalmente por que los demás personajes son meramente incidentales son las de Brad Pitt y Jonah Hill, que nos regalan estupendas interpretaciones, aunque en el caso de Pitt no sea de sus más notables ni siquiera en 2011 (se merecería más reconocimiento por El Árbol de la Vida). Ambos transmiten una buena camaradería en la pantalla y que logran explotar lo mejor que pueden sus papeles muy contrarios entre sí: Un Pitt emotivo, ambicioso y activo, y un Hill muy reservado pero con grandes ideas. El que pudo haber dado más fue Seymor Hoffman, inclusive más sabiendo que Miller le hizo ganador de grandes premios por Capote.

La fotografía del maestro Wally Pfister no es uno de sus mejores trabajos pero logra por su paleta de colores verdosos y tomas muy formales darle ese aspecto de documental y de evento deportivo a la cinta que es como dice el título latinoamericano, un juego por la fortuna. La fotografía de Pfister tiene muy buena conexión con la edición de Christopher Tellefsen, desarrollando escenas con un buen ritmo entre lo mostrado y lo narrado.

La música de Mychael Danna es muy estadounidense pero nada destacable de ésta banda sonora más que la canción The Show que interpreta Kerris Dorsey (hija de Pitt en la cinta), lo demás sólo sirve de fondo inspiracional para algunas escenas.

Estamos ante un producto correcto pero fácilmente olvidable que puede ser complemento de muchas clases de Adminisración, una película muy bien desarrollada, que no logra desarrollarse como pudo haberse hecho.

En estos tiempos en que la calidad del cine mexicano está renaciendo en jóvenes promesas, Sebastián del Amo resucitó a uno de los más peculiares cineastas que ha tenido él país para rendirle un original y divertidísimo homenaje a la cinematografía nacional. Juan Orol, nacido en Galicia a fines del siglo XIX huyó a Cuba de niño y después a México. Orol trabajó de todo, intentó desde bailarín, beisbolista, boxeador y policía hasta que se dio cuenta que su vocación se encontraba en el cine, un mundo en el que encontraría la fama y mujeres. Lo que no contaba es que su historias de gangsters y rumberas no emocionarían al público y lo convertirían en el peor director del cine mexicano. Sebastián del Amo, sobrino nieto del director Antonio del Amo, respetuosamente toma la figura de Juan Orol, para hacer de él una excelente película en la que se homenajea y a la vez satiriza el cine mexicano particularmente claro, el cine de Juan Orol, que creo que actualmente hay peores directores que el mencionado pero que sin duda el mote de surrealista involuntario nadie se lo quita y que títulos como Gángsters contra Charros, Zonga el Angel Diabólico o El fantástico mundo de los hippies muestran ese "surrealismo". Si bien por la sinopsis nos podemos remitir directamente a una de las obras maestras de Tim Burton, Ed Wood (sobre el peor director que ha tenido Hollywood, y muy contemporáneo a Orol), Del Amo tira esa suposición desde los primeros minutos mostrando un diferente estilo visual y narrativo en donde la vida de Orol cambia de formato conforme va pasando los años, así el niño Orol es presentado en una versión muda y sepia, pasando por su juventud y madurez al blanco y negro con sonido y terminando con un vintage colorido en la senectud del cineasta. Pude platicar con el director en Guanajuato (ciudad en la que se filmó la cinta junto a el Distrito Federal) y creo que afirmó mi teoría en la que exageró los aspectos técnicos y narrativos para brindarnos una intencionalmente sobreactuada película como Juan Orol la hubiera hecho, con escenas que rayan en lo increíble (aunque bien hechas) y que divierten al público a carcajadas de una manera muy justa, mucho más que la cinta de Tim Burton.

El reparto que utilizó Del Amo para esta cinta es inmejorable. Roberto Sosa parece que estaba hecho para interpretar a Juan Orol que pudo dibujar la caricatura del curioso director y su inseparable personaje Johnny Carmenta con una gran convicción, sin rayar en el cliché y dejándonos con múltiples ganas de exclamar ¡Qué coño!. Definitivamente una de las mejores actuaciones que nos ha brindado el actor. A pesar que el resto de los personajes son meramente incidentales, todos brindan lo mejor posible para sus interpretaciones: Roger Cudney como el archirrival de Orol es también una sátira del sistema, Jorge Zamora "Zamorita" como compañero criticón de Orol que nos arrancará varias risas, las bellezas de Gabriela de la Garza, Ximena Gonzalez-Rubio y Marissa Saavedra como las mujeres de Orol; Jesús Ochoa retratando exageradamente la seguridad en tiempos del maximato. Además de otras estrellas como Tongolele (que hace un interesante cameo), Juan Manuel Bernal, Rodrigo Murray, Plutarco Haza, entre otros.

El aspecto visual es también otro valor importante de la cinta, pues ya sea la iluminación, los lentes o la edición de Felipe Gómez y Martín Luis Guzmán (o una combinación de ello) hacen muy disfrutables y reminiscentes las escenas sepias de cine mudo, las de blanco y negro con esa iluminación difusa característica del cine de oro mexicano y el color de las cintas de los 60's. A la vez esa misma influencia de los distintos formatos históricos cinematográficos en los enfoques y movimientos de cámara del cinefotógrafo Carlos Hidalgo son utilizados de acuerdo al contexto de la escena. A destacar también el maquillaje de Mari Paz Robles y Roberto Ortiz y el vestuario de Deborah Medina que es totalmente acorde con las épocas. La música de Francisco Albisúa igualmente respeta y se adapta al contexto histórico de cada escena y contribuye al ambiente guapachoso de las escenas de rumberas.

Quizás no sea una obra maestra ni aporte en realidad mucho al cine mexicano pero es un sabroso homenaje a la cinematografía nacional que logra mezclar toques clásicos de las películas de oro y una comedia inteligente actual que entretienen y divierten al público en todo su metraje. Del Amo se convierte en otra importante referencia del cine nacional.

Peter Jackson quiso volver a dotar a esta nueva saga de los mismos elementos de la Trilogía del Anillo, una producción audiovisual sobresaliente y una adaptación que no dejara atrás la mayoría del relato del libro dejándonos con cintas con más de 2 horas y media. En su trilogía anterior no hubo fallos con ésto e incluso las versiones extendidas son muy bien recibidas, sin embargo creo que este estilo tal vez le dio más confort y seguridad a Jackson aunque en esta ocasión no saliera del todo airoso. No podemos negar que Jackson se recuperó de los ligeros baches de King Kong y Desde mi Cielo pero aún así no podemos decir que el Jackson de La Comunidad del Anillo es el de Un Viaje Inesperado. Comparando la anterior saga en aspectos técnicos Jackson no nos debe nada, pues las imágenes mostradas en la cinta dejan igual de boquiabiertos que hace 11 años y en cuanto a dirección de actores mejoró bastante notándose mayor exigencia en la interpretación y que quizás pudo haber cuidado más con algunos personajes de El Señor de los Anillos. El guión de Jackson, Philippa Boyens, Fran Walsh (Guionistas de cabecera de Peter y la última su esposa) y Guillermo del Toro es una muy buena adaptación del tercio de libro en que esta basada la cinta e incluso en algunas cuestiones narrativas como el diseño artístico se nota la influencia de Del Toro, hace de la narración de Tolkien que es bastante infantil un producto épico para todas las edades con mayor seriedad y algo de oscuridad a la trama, pero en el guión radica un problemita que como consecuencia se nota en la dirección de Jackson y es probablemente que el inicio transcurre muy lento y cambios en la historia como el trazo del personaje de Radagast que por poco raya en lo ridículo y el protagonismo un tanto innecesario de Azog que hacen que subtramas desvíen el hilo conductor de la historia en lugar de complementarlo como sí lo hizo la inclusión del Concilio Blanco y el inicio del misterio del nigromante.

Como mencioné anteriormente Jackson exigió más a su reparto que en la trilogía anterior y es otro de los excelentes puntos de la cinta. Martin Freeman, que fue sugerencia de Del Toro como protagonista logra no solo respetar la esencia del Bilbo que interpreta en su etapa de senectud Ian Holm, sino maximizarla y darle credibilidad a la transformación que tiene el Hobbit de hogareño ermitaño a aventurero. Ian McKellen es y será un increíble actor y pudimos volver a disfrutar de él interpretando a Gandalf en una época un poco más "joven" del mago gris con actitudes y forma de ser que anteriormente no conocíamos al menos en la gran pantalla. Richard Armitage que se transforma totalmente en un enano guerrero pero con ese dejo de nobleza que es Thorin. Andy Serkis vuelve a interpretar por el motion capture al ya personaje de la cultura popular Gollum, su aparición en la cinta es de lo mejor y la extraña química que desarrolla con Freeman en la escena de los acertijos es espectacular. En cuanto a los enanos los que quizás tienen mayor protagonismo son Ken Stott, James Nesbitt y Aidan Turner interpretando a Balin, Bofur y Kili y junto con el resto de la compañía no dejan ningún mal sabor de la boca. Igualmente es siempre un agrado ver a Cate Blanchet como Galadriel (el único personaje femenino en la película), Hugo Weaving como Elrond y a Christopher Lee como Saruman antes de pasar al lado oscuro, los tres volviendo a interpretar a unos de sus papeles más memorables.

Visualmente hablando la película es perfecta. La fotografía de Andrew Lesnie (leal compañero de Jackson) vuelve a llevarnos a la Tierra Media a través de los majestuosos paisajes de Nueva Zelanda con sus clásicas tomas aéreas mientras la compañía camina o corre o introduciéndonos a paisajes y lugares como por ejemplo Rivendell y con un gran dinamismo en el movimiento de las cámaras al momento de las tomas de acción; donde la única diferencia con la saga anterior es una un poco mayor saturación de los colores y mayor movimiento de cámara para el efecto de profundidad 3D.

La música de Howard Shore es estupenda con los toques épicos que le valieron reconocimiento y premio a Shore por su trabajo en la saga anterior, aunque a diferencia de las entregas del Anillo, ésta sólo posee una o dos piezas que queden para la memoria musical cinematográfica como lo son "My dear Frodo", "The world is ahead" y tal vez "Out of the Frying Pan". La canción "Song of the Lonely Mountain"interpretada por Neil Finn me gustó bastante realzando la canción que al inicio entonan los enanos.

El Hobbit: Un Viaje Inesperado llega con una gran expectación y es quizá ello lo que más demerite en los ánimos de los que la vimos. Creo que hubiera sido bastante interesante y un tanto distinta la versión de Guillermo del Toro. No estamos tampoco ante un regular inicio de saga ni una película que decepcione, pero una película que de dos horas y quince minutos hubiese sido perfecta quedó una que raya en la excelencia con dos horas y cincuenta minutos. Esperemos que las secuelas suban un poco la linea de ésta saga.

Prometeo es una de las cintas más esperadas de este año. Ridley Scott vuelve a sorprendernos pero a la vez hay cosas que esperábamos más de esta precuela de la saga de Alien.

Los tripulantes de la nave Prometheus se dirigen a un planeta muy alejado de nuestro sistema solar con el objetivo de buscar una explicación al origen de la raza humana guiados por símbolos hallados en culturas antiguas. Pero al llegar al planeta despertarán a un mal que quiere terminar con nosotros.

Desde que se anunció la realización de esta película, Ridley Scott negó que se tratara de una precuela de Alien, el Octavo Pasajero, pasaron casi dos años y hasta el estreno de los trailers no pudo seguir negando que se trataba de ello pues la película mostraba la vieja nave donde se encontraban los aliens, una cueva muy parecida a la misma, elementos técnicos similares a Alien e incluso la misma campaña de marketing. Y si bien esta es una precuela de Alien, es también el inicio de una saga que terminará donde empieza el aterrizaje de la Nostromo en el planeta LV 426. Ridley Scott quería responder las preguntas que no habían sido contestadas en las secuelas de Alien como ¿Quién era el Space Jockey? ¿De dónde surgen los aliens? ¿Quién hizo llamadas de alerta? a la vez que juntó esto con elementos filosóficos de su otra cinta de ciencia ficción Blade Runner sobre el origen de la raza humana, de dónde venimos,a dónde vamos, nuestra capacidad creadora, etc. Todo esto fue plasmado de una muy buena manera en el guión de Jon Spaihts (Guionista novato) y Damon Lindelof (Guionista de la serie de Lost) tomando la esencia de las anteriores obras maestras de ciencia ficción de Scott y creando una historia bien cimentada con buenas dosis de suspenso y entretenimiento, aunque creo que las dosis de suspenso o no se aprovecharon tanto como debían o no se escribieron para que tuvieran el mismo impacto que las otras cintas y es ahí donde la dirección de Scott flaquea porque si bien, esta cinta es una cátedra de dirección en su totalidad y Scott es uno de los directores más talentosos y con mayor experiencia en la actualidad, no logra que la cinta despegue de la misma manera que Alien o Aliens y sintamos esa ligera decepción a la película que lleva totalmente la sombra de sus creadoras.

Esta cinta al igual que Alien, se fundamenta en el poder histriónico de sus intérpretes y creo que en general el resultado que arroja el elenco es estupendo. Noomi Rapace lleva la batuta de una Ripley y la lleva bastante bien. Al principio es una cientifica sumisa y pacifica pero los hechos que acontecen en la cinta la vuelven dura. Michael Fassbender roba cámara como David, el personaje más interesante pues la mayor parte de la filosofia de la película y la moral se muestran en este peculiar androide que es una excelente combinación entre el interpretado por Ian Holm en Alien y los replicantes interpretados por Sean Young y Rutger Hauer en Blade Runner. Charlize Theron lleva muy bien a su personaje aunque creo que no se le dio un óptimo tratamiento desde el guión para que Charlize lo palmara en la pantalla. El resto del elenco sobre todo Idris Elba, Guy Pearce y Sean Harris lo hacen bastante bien. Quien queda a deber por su interpretación es Logan Marshall-Green.

En los aspectos técnicos visuales no nos podemos quejar en lo absoluto pues el resultado es impresionante. La dirección de fotografía de Dariusz Wolski realiza las tomas adecuadas de acuerdo a la ocasión impulsando con ello la tensión que se trató de mostrar en la cinta, utilizando una paleta de colores grisasea y verdosa y una iluminación oscura tanto en la nave como en la cueva recreando la sensación de claustrofobia aún en espacios amplios. El diseño de producción de Arthur Max es impresionante, recreando el nivel de detalle y amor hacia el trabajo que heredó H. R. Giger a la saga, conservando la esencia de sus diseños al máximo en la cueva de los extraterrestres, tomando bases de culturas antiguas como la fenicia, egipcia, olmeca o rapanui y tomando como principal influencia los diseños de las naves de Alien y Aliens para el entorno de la nave. Es notable que se usó bastante los efectos especiales para crear esa sensación de veracidad en las criaturas de la cinta y que en sí el CGI se usó para tomas espaciales y de hologramas. A destacar también la labor de maquillaje usada sobre todo para Guy Pearce. El trato del 3D en esta cinta es uno muy bien usado para crear la perspectiva de la cinta que hace lucir bastante los hologramas pero no es básico que se vea con tercera dimensión.

La banda sonora de Marc Streitenfeld, que ha trabajado varias veces con Scott es estupenda, con composiciones que pueden quedarse en la memoria del cinéfilo, algunas épicas y otras muy extrañas y terroríficas que aumentan la tensión en el espectador como Going In, Not Human, Too Close o Planting the Seed aunque creo que los temas principales son demasiado optimistas como el tema Life. Es un soundtrack muy disfrutable y emocionante.

Si bien no tiene el mismo nivel de maestría de Alien o Blade Runner que son una sombra en toda la cinta, esperemos que su secuela si llegue a ellas, Prometeo es una excelente cinta que debe verse y disfrutarse. Mientras tanto ahora de Scott esperaremos otro proyecto de Blade Runner.

Tras 10 años de negociaciones y un hilo conductor que empezó en 2008 con Iron Man, llega a nuestros ojos Los Vengadores, el plan maestro de Marvel. Loki (Tom Hiddleston), dios de Asgard y hermano de Thor (Chris Hemsworth) ha hecho un pacto con la raza de extraterrestres Chitauri para dominar al mundo y con su ayuda vuelve a la Tierra para recuperar el Tesseracto y así abrir el portal para su ejercito extraterrestre. El Coronel Nick Fury (Samuel L. Jackson) de la agencia S.H.I.E.L.D. decide poner en marcha la Iniciativa Vengadores y junto con Viuda Negra (Scarlett Johansson) buscarán reunir a un equipo de superheroes conformado por Tony Stark, también conocido como Iron Man (Robert Downey Jr.); Steve Rogers, el Capitán América (Chris Evans); el doctor Bruce Banner llamado popularmente Hulk (Mark Ruffalo); el agente y arquero Clint Barton conocido como Hawkeye; y el dios Thor. Fury logra reunirlos pero se da cuenta que será dificil unirlos por su poca química, pero es necesario para poder salvar al mundo. Las películas anteriores de los protagonistas de esta película (Iron Man, Iron Man 2, El Increible Hulk, Thor y Capitan América) habían dejado bases para esta cinta integradas principalmente por el personaje de Nick Fury. Ahora era la misión de Joss Whedon, conocido doctor de guiones en Hollywood, ahora director del filme y escritor junto a Zak Penn unir correctamente estas piezas al rompecabezas y unificar y maximizar el estilo de las cintas anteriores, sus personajes y a la vez de establecer el universo cinematográfico de Marvel como se realizó en las historietas creadas por Stan Lee y creo que lo realiza de una manera correcta, respetando a los personajes, en el caso de Hulk dotándolo de más características que compensaran el cambio de Edward Norton por Mark Ruffalo adaptándolo al actor, formando la no muy agradable pero necesaria química entre Los Vengadores y principalmente en regalar al público un blockbuster lleno de entretenimiento en el que cada vez la adrenalina sube más hasta llegar a la culminante batalla final aunque yo puedo decir que no me llegó ni estremeció en ningún momento. Lo que se podría reclamar de la cinta es que el personaje de Loki no se pudo mostrar más al público de lo que se hubiera podido siendo un bache en el guión al igual que lo fue en la cinta de Keneth Branagh, que Iron Man tal vez sin querer "queriendo" se convierte en el protagonista por lo atractivo del personaje y el hecho de que esta cinta es en definitiva una secuela de todas las anteriores de los personajes, pues sin haber conocido la trama de las películas pasadas esta se podría tornar confusa, cuando uno de los productores dijo lo contrario. Visualmente creo que la película comparte un estilo parecido al de Iron Man y de Thor y el sonoro de Capitán América. Del estilo oscuro y sucio de El Increible Hulk sólo se conserva en las escenas introductorias del Dr. Banner en el inicio del filme.

El reparto confirma que la mayoría de los personajes ya se adaptaron a sus actores (y viceversa) mostrando un dominio y seguridad en ellos. Robert Downey Jr. siempre es brillante por la elocuencia de Tony Stark, Chris Evans tiene toda la facha de estereotipo estadounidense y sabe expresar el patriotismo del Capitán América, Scarlett Johansson aparece perfectamente seductora y creíble como la Viuda Negra regalando a nuestros ojos movimientos de acción de primer nivel, Jeremy Renner se nota que es de los actores de acción del momento y las características del personaje lo hacen idóneo por el tipo de personajes que nos ha acostumbrado a interpretar y Mark Ruffalo le da un toque más emotivo a su personaje aún con tantos conflictos existenciales. Creo que aún no se le da a Samuel L. Jackson el poder histriónico que nos ha regalado en otras ocasiones y al que siento todavía más alejado de su personaje o que no se le ha dado la fuerza al mismo es a Hemsworth que no hace de su papel más que un trabajo correcto.

En el lado visual repetimos que principalmente se desarrolló una estética parecida mayoritariamente a Iron Man y a Thor, ahora con la paleta de colores y la cámara de Seamus McGarvey, un director de fotografía conocido más por trabajos más reservados y poco comerciales pero que siempre la fotografía es un elemento determinante y en este filme la cámara toma las veces de los cuadros de las historietas quizás para hacernos sentir más en un universo venido del comic. Los efectos visuales son simplemente impecables; si bien los Chitauri aún se ven muy CGI creó que todas las explosiones y escenas digitales quedaron estupendamente realizadas. Todo esto se maximiza por el muy bien desarrollado 3D que quizás haga que la emoción te atrape más y te de una incertidumbre si lo que viste fue algo maravilloso o correcto, como creo fue mi caso. Como mencioné antes el estilo musical se parece al de Capitan América, principalmente porque el famoso compositor Alan Silvestri se encargó de desarrollar la banda sonora de ambas producciones con un producto sonoro que le da un sentido más épico a la cinta, remitiéndonos a trabajos de John Williams (Superman), John Ottman (X-Men 2) o Danny Elfman (Spiderman) donde el tema de la cinta queda para la memoria de las cintas de superheroes. Estamos ante un muy correcto producto de Marvel, donde la misión de unir varias franquicias fue exitosa, entretiene y divierte todo el tiempo pero que no trasciende como cintas de esta compañía (como X-Men) o de su competidora.

Steven Spielberg nos demuestra una vez más que es capaz de llegar al corazón del público con la historia de Joey, un hermoso caballo que es vendido a unos granjeros en Devon, Inglaterra. Joey comienza a tener una gran amistad por Albert (Jeremy Irvine), su joven dueño. Un día Joey es vendido por el padre de Albert (Peter Mullan) al ejército para que luche en la Primera Guerra Mundial. Joey atravesará una serie de batallas y tocará el corazón de todos aquellos que lo posean, pero Joey y Albert anhelan el día en que puedan volver a estar juntos.

Spielberg nos ha advertido que se encuentra en una etapa creativa muy fuerte. En Tintín nos encontramos con el lado aventurero (Indiana Jones, Jurasic Park) de Spielberg, en Lincoln probablemente veremos al Spielberg de Munich y La Lista de Schindler, y en Caballo de Guerra nos reencontramos con el Spielberg emotivo de E.T., bélico de Salvando al Soldado Ryan y clásico de Amistad o El Imperio del Sol y con ciertas referencias a Sin Novedad en el Frente de Lewis Milestone, Lo que el Viento se llevó de Victor Fleming, El Corcel Negro o a la novela de El Llamado de la Selva, pues desarrolla una historia escrita por Lee Hall y Richard Curtis basada en la novela homónima de Michael Morpurgo en la que un personaje no humano llena de paz, bondad y alegría a un conjunto de personas en un mundo invadido por la desesperanza y la guerra. Spielberg logra realizar una película prácticamente perfecta en los aspectos técnicos pues la historia junto con la belleza visual y sonora que se plasma en la pantalla hipnotizan al espectador y esto se puede tomar como un defecto pues oculta sus errores, como una ligeramente excesiva emotividad que no permite que se toquen temas bélicos con mayor realismo e igualmente el hecho que todo se hable en inglés me parece el error más fuerte de la película, pues bien Spielberg pudo haber seguido los pasos de Eastwood, Tarantino, Gibson o hasta Jolie de utilizar los idiomas reales de personajes que en realidad no son británicos (alemanes y franceses), haciendo que cierta credibilidad se pierda en la cinta (no entiendo cuál es la dificultad de realizar así una película en Estados Unidos).

El reparto que si bien no es de superestrellas de Hollywood fue muy bien elegido y en general hacen una interpretación creible y muy correcta: Jeremy Irvine fue un gran descubrimiento de Spielberg, un actor con futuro, David Thewlis y Emily Watson siempre son agradables presencias en cualquier película, Tom Hiddleston cada vez se vuelve más popular y se encuentra en mejores proyectos y Niels Arestrup, Celine Buckens (Otro estupendo descubrimiento) y David Kross fueron muy bien elegidos por su nacionalidad aunque recalco que el hecho de que no hablen su idioma natal les resta valor. Sin embargo, el que roba la pantalla es el caballo Joey que fue interpretado por 11 equinos dependiendo del tipo de escena a filmar, teniendo uno de ellos la mayoría de las escenas, pero en general todos ellos hacen del real protagonista de la cinta un personaje no humano estupendo e inspirador.

La música de John Williams es un trabajo estupendo del compositor demostrando que es uno de los mejores, con temas con tonos que nos recuerdan a la música del cine de oro hollywoodense principalmente de cintas bélicas, del oeste y a piezas clásicas donde el tema The Reunion se puede convertir en un clásico de la música de bandas sonoras.

La fotografía de Janusz Kaminski es como dije antes otro de los aspectos que hipnotizan al espectador, con tomas de paisajes magnificas, travellings muy bien logrados y una paleta de colores cálidos para las escenas fuera de batalla y frías para las de la zona de guerra.

A destacar también es el diseño de producción de Rick Carter, la dirección artística de Andrew Ackland-Snow, los decorados de Lee Sandales y el vestuario de Joanna Johnston que logran transportarnos a principios del siglo XX.

Caballo de Guerra es una excelente película de la estupenda carrera de Spielberg (más no de las mejores), totalmente académica, que enaltece el valor y el amor a seres que comparten con nosotros el mundo, donde lamentablemente los excesos de origen se vuelven una debilidad e impiden que la cinta se vuelva un clásico, pero no impide que sea una de las mejores películas del estupendo 2011, un año donde cintas como esta se opacan por lo atrevido de otros proyectos.

Steven Spielberg crea otra saga de aventuras y refrenda su título como uno de los maestros del entretenimiento cinematográfico de la actualidad.

Tintín no es sólo un periodista común y corriente, éste intrépido joven es famoso por inmiscuirse junto con su perro Milú en aventuras y así lograr reportajes interesantísimos. Cuando quiere comprar una reproducción a escala de "El Unicornio", un barco de la época de Luis XIV, más de un hombre se lo quiere arrebatar pero Tintín logra evitarlos en la calle. Pero cuando asaltan su casa a causa de aquella pieza se dará cuenta que detrás del barco se esconde un misterio inimaginable.

Cuando se estrenó Indiana Jones y los Cazadores del Arca Perdida en 1981, Spielberg se dio cuenta que la prensa europea comparaba bastante al arqueólogo Indy con Tintín por sus parecidos narrativos, por lo que Spielberg decidió leer la obra de Hergé (Autor de los comics de Tintín), se enamoró de las aventuras del periodista, espero el momento adecuado en que la tecnología cinematográfica permitiera adaptar las historietas a la pantalla grande. Junto con Peter Jackson (que siempre fue fanático de Tintín) tomaron la decisión de realizarla con la motion capture para así obtener movimientos realistas y no perder los rasgos físicos de los personajes.

El resultado que nos ofrece la asombrosa animación de Weta (Compañia de Efectos Visuales de Peter Jackson) que crea escenarios perfectos y personajes muy realistas que harán que el espectador pierda en ratos la noción que está viendo una película animada y más si se ve en la muy adecuada tercera dimensión, la dirección de Spielberg y la manita de gato que metió Jackson hacen de Las Aventuras de Tintín: El Secreto del Unicornio una de las cintas de aventura más emocionantes y entretenidas de los últimos años con giros excelentes de tuerca, personajes muy bien aterrizados al mundo occidental que pocos lo conocíamos, una historia atrapante y vale la pena recordar el plano secuencia de persecución en el desierto que es simplemente genial.

Lo negativo que podríamos hablar va desde sus orígenes y es por lo un poco increíble de su trama, aunque si lo que se trataba era conservar el estilo de la obra de Hergé este no es un inconveniente, aunque si podríamos decir que se quedan varios cabos sueltos en la trama.

En cuanto al trabajo del motion capture se tuvo a un estupendo reparto: Andy Serkis, el mejor actor de este modo de filmación interpretando al Capitán Haddock, a Daniel Craig como el villano Sakharine y por supuesto a Jamie Bell como Tintín, que realizaron un trabajo estupendo para llevarnos lo más real posible a los personajes.

La música del prácticamente retirado Maestro John Williams (que sólo trabaja para Spielberg últimamente) crea una banda sonora muy del estilo de Indiana Jones sólo que con un toque europeo, con toques de misterio y que se adapta bastante bien a los contextos de la historia, donde el tema principal "The Adventures of Tintin", y los temas "The Pursuit of the Falcon" y "The Adventure Continues" son los más destacables de uno de los siempre estupendos trabajos de Williams.

Este trabajo es uno de los mejores productos de animación y blockbusters del 2011. Ahora habrá que esperar a las siguientes entregas con ansias, pues se compraron los derechos para una trilogía.

No soy un experto en la materia de Terrence Malick, pero eso no significa que no haya quedado anonadado ante el trabajo tan maravilloso que significó El Árbol de la Vida. La cinta nos sirve como reflexión de qué es lo que somos, a dónde queremos llegar, cuál es la forma de vivir, qué hay más allá de la vida, cómo se originó y cómo acabará nuestro universo, cómo somos un universo de células y a la vez una célula del universo; ésto a través de imágenes del espacio, la creación de la vida en la tierra y dentro de ella la belleza y gracia de la naturaleza, y mostrando la gracia y la naturaleza del hombre en la historia de Jack (Sean Penn, Hunter McCraken), un hombre vacío y solo en el mundo de los rascacielos y la modernidad marcado por el pasado en el que su existencia estaba basada en la lucha de ideas que le dejaban su madre (Jessica Chastain) y su padre (Brad Pitt); y la muerte de uno de sus hermanos. La siembra de un árbol en la gran ciudad hará que Jack se renueve sus preguntas del ser. Terrence Malick dirige y escribe esta cinta que nos inunda de filosofía el cerebro, la pupila y el corazón en este filme que sin tener un estilo narrativo exacto deja al espectador en shock por la belleza de las imágenes y lo positivo de la filosofía en la que se expresa que hay que vivir en la gracia, haciendo lo mejor cada día, vivir la vida a cada instante, amar, superar lo trágico, perdonar; en fin, una ideología muy espiritual que no sólo es cristiana sino de cualquier religión y es ahí donde reside el valor filosófico y narrativo de la cinta. Esto se convierte en un éxtasis visual al ver todo el conjunto de imágenes que se nos muestra de la naturaleza, el universo y los edificios, que le dan un valor a dichos objetos inertes, le dan vida. Quizá el único error de la cinta es que Malick deja algunos cabos sueltos en la historia y en ratos se pierde un poco el hilo, pero es mínimo el fallo. La dirección de actores de los personajes principales, salvo la actuación de Sean Penn (que creo que pudo haber dado más), es estupenda: Jessica Chastain, quien aún es una novata en el negocio desarrolla brillantemente su papel con una naturalidad y ternura impecables, una mujer inocente, amable y cariñosa, el lado de la gracia que retrata Malick, en contra a Brad Pitt, igualmente natural pero que logra infundir sentimientos encontrados hacia su personaje pues es un padre autoritario y violento, pero tras él se halla un deseo que sus hijos sean quienes quieren ser en la vida y no fracasen como él. La actuación del joven Hunter McCracken es impresionante para un novato y joven como él que incluso opaca como un eclipse la actuación de Sean Penn, jovencito que por cierto tiene un parecido asombroso con el ganador del Oscar. Igualmente agradable fue ver a Fiona Shaw. Se nota en todos ellos un trabajo agradable, fresco y con una buena dosis de improvisación. La dirección de fotografía del orgullosamente mexicano Emmanuel Lubezki es definitivamente el mejor trabajo de su inigualable carrera. Trabajando totalmente a cámara en mano, con una majestuosa paleta de colores y el uso de una iluminación natural (no se uso iluminación más que para algunas escenas en interiores), Lubezki logra darle vida a cada fotograma que filma. Sin usar un tipo de toma especifico nos hipnotiza por la belleza visual, un poema de imágenes en el que cada estrofa es un corte del también muy diferente estilo de montaje (la cinta requirió de 5 montadores puesto que en total se filmaron más de 600,000 metros de celuloide, producto de una gran serie de escenas incidentales como la de la mariposa), esto igualmente complementado con los efectos visuales que nos regalan escenas bellísimas como las del universo y los dinosaurios en el origen de la tierra. La música de Alexandre Desplat es también muy bella, basada principalmente en tonos altos y con instrumentos de cuerda, sin embargo su trabajo resulta menor en comparación con el conjunto de temas clásicos que añade Malick a la cinta como "Funeral March" de Patric Cassidy, "Lacrimosa 2" de Zbigniew Preisner, "The Well-Tempered Clavier" y "Toccata and Fugue in D Minor, BWV 565" de Bach, "Piano Sonata No.16 in C Major K. 545" de Mozart, entre otras. Es sin lugar un trabajo excepcional que podríamos comparar con 2001: Odisea en el Espacio de Kubrick, o con Obras de Tarkovsky por lo bello de sus imágenes y lo poética de su narrativa. De lo mejor de este año, una obra maestra, un ejercicio espiritual cinematográfico, una experiencia religiosa.

Tras Anticristo (2009), Von Trier hace un giro de 180 grados para crear una historia menos estresante y más amplia, pero la esencia visual y narrativa de dicha joya se maximiza en Melancolía, un destello de belleza y amargura en el que el fin del mundo es íntimo y onírico. El filme está compuesto de tres partes, el primero un prólogo onírico, el segundo dedicado al personaje de Justine (Kristen Dunts) y el último al de Claire (Charlotte Gainsbourg). Es el día de la boda de Justine, pero al llegar a ella parece que todo el mundo conspira en su contra. A esto se une el hecho que un planeta llamado Melancholia está a punto de pasar al lado de la tierra y hay incertidumbre si el planeta va a chocar con el planeta Tierra y destruirlo. Lars Von Trier, quién escribió también la cinta, logra con este filme deshacerse de toda la presión y estrés que le había ocasionado Anticristo, puesto que los límites que le había puesto y el peso de la cinta hasta el espectador lo recaía. En esta ocasión nos vuelve a presentar una historia en la que un fenómeno es el reflejo de que los humanos nos destruimos por dentro, nos convertimos monstruos de las ambiciones, pretensiones, vanalidades, falta de confianza, intereses propios, traiciones, entre otros, provocan una bomba de tiempo reflejado en la boda de Justine que termina siendo un desastre y detona una poderosa Melancolía en la protagonista, tristeza vaga, profunda, sosegada y permanente, nacida de causas físicas o morales, que hace que no encuentre quien la padece gusto ni diversión en nada (Definición de la RAE), en el caso de Justine destruye sus relaciones salvo la de su hermana y se refugia en un fenómeno astronómico para escapar. En el segundo capítulo nos muestra el miedo al cambio, el miedo a enfrentarlo y huir de él, la desesperación por ello, ésto representado por Claire y John (Sutherland). Pero ante todos estos monstruos, lo último que muere es la esperanza y la unión. Esa mezcolanza hace que el filme de Von Trier nos deje con un sentimiento extraño sentimental. Quizá el único problema es que en ocasiones la trama se torna un poco pesada y cansada, pero cualquier amante del séptimo arte lo dejará pasar pues se permanece inmóvil por la estética. Todo lo que se habló anteriormente no se podría llevar a cabo sin el onírico trato estético que le da Von Trier a la obra, pues el ver escenas tan bellas visualmente pero terribles narrativamente hablando, el impacto es instantáneo. El prólogo de la obra, al igual que el de Anticristo (sólo que en esta ocasión es un sueño, no un hecho) es brillante, deja a uno en shock e hipnotiza por el resto del metraje. Desde ese momento Von Trier demuestra también que sigue haciendo tributos a Tarkovsky, pues la pintura The Hunters in the Snow de Pieter Bruegel the Elder (1565) también jugó papel importante en Solaris, aparece un caballo cayendo como en Andrei Rublev, se presenta una temática parecida a Offret y a Nostalghia y los protagonistas tienen un fuerte problema existencial. El filme reune un reparto espectacular lleno de grandiosos actores que en ningún momento ninguno se roba la cámara al otro, y el trío protagonista (Dunts, Gainsbourg, Sutherland) realiza uno de sus mejores papeles, en particular Dunts que nunca se le había visto tan natural, bella y con tanto potencial. Muy justo el premio a Mejor Actriz para ella en Cannes, mismo reconocimiento que obtuvo Gainsbourg dos años atrás y que refrenda su calidad actoral. Sutherland se deshace del estereotipo de actor de acción con esta cinta. La intervención de John Hurt, Charlotte Rampling, Stellan Skarsgård y Udo Kier es una delicia también. Quién pudo haberle dado más potencial a su papel fue Alexander Skarsgård. La dirección fotográfica del chileno de nacimiento pero danés de corazón Manuel Alberto Claro es brillante, con una exquisita paleta de colores diferencia con tonos cálidos el primer capítulo y el segundo con tonos fríos influyendo en la melancolía de los personajes y que se adapta al espectador, además que le da una estética pictórica a cada cuadro complementado por la dirección de arte de Simone Grau y el diseño de producción de Jette Lehmann. Además la cinta se filma en dos maneras, una con mucho manejo de cámara en mano que nos traslada a la acción real; y la que es a tomas fijas en los momentos más oníricos, como si se trataran de pinturas en movimiento. La música de la cinta consiste en la repetición del Preludio de Tristán e Isolda de Richard Wagner, que mezcla el miedo, la tristeza, la incertidumbre y belleza que tiene la cinta, una pieza que llena de poder al filme al igual que Also Sprach Zarathustra a 2001: Odisea en el Espacio. Hablando de otros aspectos técnicos la edición de Morten Højbjerg y Molly Marlene Stensgaard es efectiva y ayuda a darle en ocasiones un lado documental a la cinta, aunque en ocasiones siento que hay cortes algo bruscos. Igualmente son notables los efectos visuales y especiales de Kim Asmussen y Oliver Arnold que realizan un trabajo fenomenal sobre todo en las escenas espaciales. Muy bueno el hecho que el planeta Melancholia era azul pues se hace relación con el planeta de la pintura renacentista homónima de Giovanni Bellini. Como conclusión esta es una película en la que los sentimientos se encuentran y se expresan más allá de lo que podíamos creer a través de una joya del arte contemporáneo con imágenes absorbentes. Te dejará confundido, enamorado, deprimido e impactado. De lo mejor del 2011.

Tras el impactante debut con Moon (2009), Duncan Jones nos confirma que su primer película no fue un acto de suerte. El capitan de las fuerzas en Afganistan Colter Stevens (Jake Gyllenhaal) despierta en un tren rumbo a Chicago, al lado de una mujer (Michelle Monaghan) que parece hablar con él llamandolo Sean. Colter se da cuenta que se encuentra en el cuerpo de Sean, pero antes de obtener respuestas explota el tren. Colter aparece en una capsula encerrada donde una oficial (Vera Farmiga) le informa que tiene la misión de descubrir quién implantó la bomba en el tren, trasladándolo a los últimos ocho minutos de Sean, que fueron rescatados por cientificos del gobierno e implantados en Colter. De esta misión va la vida de toda la población de Chicago. Con un mayor presupuesto y un guión de Ben Ripley, Duncan Jones nos vuelve a traer a la pantalla un thriller con dudas hasta el final y un exquisito mensaje de valoración ahora en un contexto terrestre y con ciertas referencias al cine de Alfred Hitchcock (En Moon se referencia a 2001 de Kubrick). Así demuestra que en cualquier contexto y situaciones Jones juega de una manera estupenda y muy sencilla los elementos clave que combinan a la ciencia ficción y el thriller manteniendo con expectación al espectador durante los 90 minutos de metraje. Además de esto la película nos muestra dos caras en el aspecto del uso de nuevas tecnologías en el gobierno sin importar límites y en el personaje central se reflexiona sobre el valor de cada minuto de la vida, la cual se debe gozar y no dejar atrás lo que se puede arreglar hoy, pues cualquier momento puede ser muy tarde. Las actuaciones no dejan a deber, Gyllenhaal nos transmite la contradicción e indecisión que enfrenta su personaje al igual que Farmiga, Monaghan demuestra mucha química con Jake y complementa el lado sentimental de la película; Wright es la representación de la dureza e insensibilidad a pesar de todo lo que está en juego en un proyecto de ese tipo. La dirección fotográfica de Don Burgess cuenta con planos muy bien tomados, los distintos ángulos de los repetidos ocho minutos últimos del tren además nos dan otra visión de la misma historia y complementan a volvernos testigos con mayor conocimiento y pistas. Las tomas en cámara lenta son correctas y las tonalidades azuladas le dan el aspecto tecnológico que la cinta requiere. Esto complementado con los efectos visuales y el montaje de Paul Hirsch nos regalan un espectáculo visual de altísimo nivel sin necesidad de extremarse en cuanto a efectos o millones de cortes. La música de Chris Bacon nos recuerda en ratos a las piezas de intriga de Bernard Herrmann de los filmes de Hitchcock y le da también un toque más moderno y adrenalínico para complementar el más que eficiente ritmo de la cinta. Es una de las mejores películas hollywoodenses que van de este año, un thriller que te dejará sin aliento y una obra maestra más en la cortísima pero fructifera carrera de Duncan Jones.

Pocas son las comedias románticas que juegan realmente con los sentimientos de los personajes, que nos hacen sentir identificados y que se relacionan con su entorno; Medianeras es una de ellas. Martín (Javier Drolas), un programador de páginas web vive con el perro que le dejó su exnovia años atrás y desde entonces anda en busca de llenar ese vacío que no puede con montones de artículos de computadora y paquetes geek; lo mismo que Mariana (Pilar López de Ayala), quién se acaba se separar de la pareja con la que duró 4 años y se refugia en los maniquies que arregla. Los dos pueden ser la solución a sus problemas y a pesar de vivir separados uno al lado del edificio del otro, parece que el destino, como la misma ciudad y las nuevas tecnologías impiden esto. Basado en un cortometraje homónimo igualmente dirigido y escrito por Taretto y protagonizado igualmente por Drolas, este largometraje le da un sentido más universal y efectivo a la historia con mayores reflexiones de los protagonistas, nos da a conocer más a los mismos y con subtramas que logran que se identifique uno con los personajes. Tanto el corto como el largometraje hacen una fina crítica y muestra de la vida de la sociedad de Buenos Aires y la de muchas metrópolis donde las comunicaciones y la tecnología no parecen congeniar con el caos y la masa que se invade contrariando al principio de la accesibilidad que brindan los nuevos servicios tecnológicos como la red (para muestra la escena del apagón). Gustavo nos deja escenas minimalistas pero bellas por el contenido de ellas, para Toretto debe ser un logro total llevar en su primer largometraje un ritmo tan bueno y una historia tan interesante. Las actuaciones nos llenan de toda esa tristeza y desesperación por buscar el amor verdadero: Drolas, que ya conoce perfectamente el personaje le da mayor profundidad a su personaje inclusive en las narraciones en voz en off; Pilar López de Ayala, capricho de Taretto por querer que la española interprete a Mariana, sorprende por el acento argentino natural que maneja al igual que lo complejo de su personaje con desórdenes sentimentales demostrando su profesionalismo. La fotografía de Leandro Martínez ha mejorado bastante en comparación a la realizada en el cortometraje, en muy atinados colores azules, a través de varias tomas fijas le da el toque visual minimalista que exige el filme y las tomas a los edificios que parecen fotografías congenian en el aspecto de mostrar que la ciudad es un reflejo de nuestra forma de vida. La música de Gabriel Chwojnik utiliza piezas del soundtrack del cortometraje y le añade otras que en conjunto son piezas sencillas con pocos instrumentos pero que cumplen con los estándares del guión y el estilo del filme. Además, el uso de canciones como Ain't no Mountain High Enough y True Love will find you in the end le dan un sentido más romántico y divertido (Favor de quedarse después de los créditos) y en el caso de la segunda, más trágico a la cinta. Es Medianeras una película importante de ver de este año, una comedia romántica como pocas, actual, efectiva e identificable. Esperemos que Taretto siga con el mismo espíritu y talento que con este filme, ya con un guión nuevo.